sábado, 4 de mayo de 2013

Conclusión

A lo largo de este trabajo, me dí cuenta de cómo el arte le sirvió al hombre como salida para todo aquello que quería expresar y contar. El contexto en el que se localizaban las vanguardias afectaban directamente al artista que desarrollaba una nueva manera para manifestarse, ya sea a través de nuevas temáticas que abordaban o el uso de nuevas técnicas. Además, pude darme cuenta de que el arte también sufrió una evolución a raíz de los avances científicos y tecnológicos, y que en ella se relacionan todo lo que rodea y afecta en la vida al hombre. 
También, a través de las investigación, conocí artistas latinoamericanos que me ayudaron a comprender que la pintura no solo se puede encontrar en Europa sino que se desarrolla en lugares cercanos y conocidos. 
Aunque, en un principio, algunos movimientos no me hayan resultado atractivos, me gustó poder conocer el porqué de su estética ya que muchos de ellos no querían ser "bellos" sino que se concentraban más en los aspectos emocionales y en lo que verdaderamente quería causar en el espectador, como por ejemplo: el expresionismo y, posteriormente, el neoexpresionismo. Y finalmente, son estos movimientos los que más me llamaron la atención.

Neoexpresionismo

¿Cuándo?
El neoexpresionismo es un movimiento pictórico surgido a finales de los años setenta y principios de los años ochenta en Alemania, desde donde se extendió por el resto de Europa y Estados Unidos. Este recupera modelos propios del expresionismo. Además sus fuentes de inspiración fueron muy variadas. No sólo toman elementos del Expresionismo sino de movimientos anteriores de signo contrario. De la mezcla de todo lograron crear un producto nuevo. Movimiento cuya principal característica es la heterogeneidad de planteamientos. El desarrollo del Neo Expresionismo se divide en dos momentos principales. El primero lo protagonizan artistas cuyo nacimiento tuvo lugar durante la Segunda Guerra Mundial. La segunda generación estaba formada por pintores nacidos en la década de los años cincuenta. 
Éste gozó de una gran popularidad en su momento, en parte gracias a la fuerte promoción que recibió por parte de gente importante dentro del medio artístico de la época.

¿Qué?
Este se propone retomar la figuración desde su tratamiento violento y primitivo, determinado por la pincelada y el uso de colores contrastantes, aunque conservando la disposición tradicional de la composición. Esta vanguardia surgió como una reacción contra el minimalismo y el arte conceptual que predominaron durante los años setenta, y  se caracteriza por su agresividad, sus descarnados temas, la forma en que estos son tratados y el uso de imágenes fácilmente reconocibles como el cuerpo humano, generalmente dibujadas de manera muy burda. La inspiración de este en base a vanguardias anteriores como el expresionismo, provocó que muchos historiadores y críticos lo postularan como la transición coyuntural estilística entre las últimas vanguardias de la modernidad y la posmodernidad.

¿Cuándo?
Algunas de las características del movimiento son: el regreso de las imágenes de tipo expresionista; el gusto por la fusión de elementos de tendencias anteriores; la yuxtaposición de elementos figurativos y abstractos: generalmente fondos a base de manchas o franjas de color sobre los que se disponen figuraciones contrastantes; la figuración a base de formas esquemáticas de carácter emocional y expresivo; la representación de objetos de modo intuitivo y sin atender a su perspectiva dentro del conjunto de la obra; la ejecución de trazos más amplios; la preferencia por el óleo, aunque frecuentemente en combinación con otras técnicas; preferencia por la pintura empastada, que puede ser mezclada con otros materiales; temáticas que abordaban la mitología individual, la cultura nacional, símbolos de poder, figuras heroicas  temas bélicos,  dramáticos, satíricos, etc, con el predominio de la figura humana.   

¿Quién?
Georg Baselitz (1938) es un pintor alemán que estudió en la anterior Alemania del Este, antes de trasladarse a lo que entonces era la República Federal de Alemania. El estilo de Baselitz se interpreta por los estadounidenses como neoexpresionista, pero desde una perspectiva europea, se considera más bien postmoderno.
Su obra puede ser vista, de hecho, como la típica voluntad de confrontación con la pintura, fuera de todas las categorías formales y de los valores expresivos tradicionales, tomando como base la intención de superar la irreducible contraposición de la pintura figurativa y la abstracta.
Una de sus obras más representativas fue "Cena en Desdre" realizada en 1983. Está realizado por óleo sobre tela.  En esta obra, mantiene la tendencia figurativa, pero las escenas y personajes aparecen pintados boca abajo, tratando de romper con el convencionalismo habitual hasta el momento en la historia de la pintura. Como afirmaba el propio pintor: "Mis composiciones del revés fueron en realidad el resultado de un largo proceso para intentar subvertir el orden normal de los pintores... A fin de cuentas, la provocación es la regla general de la historia de la pintura".

Bibliografía:

Hiperrealismo

¿Cuándo?
El hiperrealismo es una tendencia radical de la pintura realista surgida en Estados Unidos a finales de los años 60 del siglo XX que propone reproducir la realidad con más fidelidad y objetividad que la fotografía. Para muchos es el sucesor bastardo del Pop Art. Para otros no es más que el regreso hacia un estilo conservador al momento de percibir la realidad a través de la pintura o la escultura. En esa época la abstracción era la tendencia dominante y el realismo estaba mal visto; se consideraba un arte que copiaba de fotografías o de la realidad y sin ningún interés.

¿Qué?
Esta tendencia consiste básicamente en traducir literal y fotográfica-mente la realidad con la técnica pictórica tradicional, aunque cada pintor da un toque personal a sus obras, expresando de esta forma su opinión sobre la imagen. Este es un arte que, en un sentido, parece apelar a respuestas enteramente triviales a la sensación placentera de ver algo imitado exactamente, sin importar lo que es esa cosa, pero que a un nivel más profundo habla a su publico porque expresa, sin retorica, la nulidad y desesperación que se encuentra en grandes áreas de la sociedad urbana.
Los temas son representados con exactitud minuciosa e impersonal en los detalles, por medio de una agudeza óptica llevada a cabo con tal virtuosismo técnico, que supera la "visión" del objetivo fotográfico. El propósito del Hiperrealismo es acercarse a una supuesta objetividad visual en la representación de retratos, naturalezas muertas, interiores y paisajes, a través de un singular método de trabajo que compagina técnica y disciplina.

¿Cómo?
Las características que presentaban los artistas a la hora de producir algunas de estas obras se basaban en el trabajo sobre fotografías, tratando con igual agudeza y precisión todo el cuadro.
También, utilizan grandes tamaños de cuadros y pintura plana, que aspiran a producir la impresión de inmensas ampliaciones fotográficas. Se va de lo real a la fotografía y de la foto al cuadro, reafirmando dos veces lo real o, tal vez, distanciándose doblemente del objeto; no hay una mirada subjetiva sobre la realidad, puesto que las imágenes son frías.
En algunos casos el uso del aerógrafo refuerza el aspecto brillante de la pintura y sus similitudes con el papel fotográfico. Una característica notable de esta tendencia es la especialización de los artistas en temas concretos.
Los temas que trataban los pintores de la vanguardia eran variados como mujeres en ropa interior, fachadas de edificios, escenas de calle, coches, etc. En sí, buscaban imágenes dignas de retratarse, señala los aspectos más banales de la vida y gracias a nuevos materiales como la fibra de vidrio que da una gran realidad.

¿Quién?
Don Eddy (1944, Long Beach, California ) es un pintor estadounidense que saltó a la fama inicialmente  como fotorrealista, pero en la actualidad se abarcó en los terrenos de la mteafísica.
En los años 70' las obras realizadas por este artista rindieron homenaje a los coches y el paise urbano. Luego, ya en los años 80', sus obras estaban orientadas a la representación de objetos como cristalería, cubiertos, juguetes en una serie de estantes de vidrio. Don Eddy es conocido por su exploración en la naturaleza y el concepto de realidad y la percepción visual. Su pintura se caracteriza por el uso de aerógrafo y miles de puntos de colores. Este artista realiza una selección entre 40 o más fotografías para asegurarse de que posee la más nítida posible a la hora de comenzar una nueva pintura.
Una de sus obras más reconocida es la de los dos autos, esta no tiene título, pero fue realizada en 1971. En ella se puede ver una de las temáticas más utilizadas por el pintor, los automóviles. En esta, la ciudad se encuentra en segundo plano, y lo que se destaca son las figuras de los coches a través de tonos metalizados y los detalles urbanos de la época. En esa época, los autos como los Escarabajos Volkswagen eran un clásico y se caracterizaban por el lujo que presentaban sus colores, los reflejos al agua, el lustre que presentaban sus carrocerías. También, se puede decir, que en esta pintura se ve la masificación, el mercado y la competencia en esa época.


Bibliografía:

Op Art

¿Cuándo?
El Arte Óptico es un movimiento pictórico nacido en Estados Unidos en abril del año 1958, en una exposición celebrada en la galería francesa de Denis René. El movimiento artístico quedó definido a partir de una exposición celebrada en 1965 en el Museo de Arte Moderno de Nueva York titulada The Responsive Eye que agrupaba a una serie de artistas de distintas nacionalidades seguidores de esta tendencia. Este estaba enmarcado en un periodo en donde dominaron las guerras mundiales y se desarrollaron las nuevas armas nucleares. Donde dos potencias: Estados Unidos y la URSS, estuvieron en conflicto desde el fin de la Segunda Guerra Mundial hasta el año 1991.
El op art consiste en efectos cromáticos y formales dinámicos, que incorpora la indolencia visual, por lo que se aprecian más estructuras cromáticas que plásticas.

¿Qué?
La finalidad de esta vanguardia reside en que  el observador participa activamente moviéndose o desplazándose para poder captar el efecto óptico completamente, por tanto se puede decir que no existe ningún aspecto emocional en las obras. Esta está basada en la composición pictórica de fenómenos puramente ópticos, sensaciones de movimiento en una superficie bidimensional, engañando al ojo humano mediante ilusiones ópticas. Se utilizan estructuras de repetición con un orden claro. Frente a otras tendencias racionales, el Arte Óptico se basa en principios científicos rigurosos con el fin de producir efectos visuales inéditos. Tuvo profundas raíces en la tradición del Bauhaus, y es la consecuencia del tipo de experimentos que el Bauhaus alentaba en sus alumnos.
El Op Art se diferencia del Arte cinético por la aunsencia total de movimiento dentro de sus obras.

¿Qué?

El Arte Óptico se caracteriza por varios aspectos: la ausencia total del movimiento real, todas sus obras son físicamente estáticas, lo cual lo diferencia del Arte cinético; se pretende crear efectos visuales tales como movimiento aparente, vibración, parpadeo o difuminación; usa también figuras geométricas simples, como rectángulos, triángulos y circunferencias en tramados, combinaciones o formaciones complejas; usa los recursos de líneas paralelas, tanto rectas como sinuosas, contrastes cromáticos marcados, ya sea poli o bicromáticos, cambios de forma y tamaño, combinación y repetición de formas y figuras, entre otros recursos ópticos; en muchos casos el observador participa activamente moviéndose o desplazándose para poder captar el efecto óptico completamente; se usa el acrílico para obtener superficies lisas, limpias y muy bien definidas; el artista del Arte Óptico no pretende plasmar en su obra sensaciones o situaciones, no existe ningún aspecto emocional en la obra.

¿Quién?
Víctor Vasarely (Hungría, 1908-1997). Es el creador del movimiento del Arte Óptico en Europa, muy conocido gracias a sus serigrafías con efectos ópticos. Vasarely inventó y difundió el Arte Óptico entorno a 1940 en París. En 1946. Combina colores y dos tipos de perspectiva para crear imágenes ambiguas y contradictorias.
Una de las obras de este artista que enmarca este movimiento es "Tlinko 22" .Fue elaborado en 1955, al verlo se persive un movimiento como en círculos provocado por la posición de cuadros y rombos en diferentes posiciones y el contraste de cuadros con negros rodeados por líneas blancas y una pequeña línea gris provoca dicho movimiento tan atrayente que nos hace dudar de lo que vemos.


Bibliografía;


Pop Art

¿Cuándo?
El Pop Art o Arte Pop es un movimiento artístico visual, que nació tanto en Inglaterra como en Estados Unidos en la década de 1950. Surgió de algunos artistas como una reacción en contra del expresionismo abstracto, que consideraban que no era entendible para la persona común.
El termino surgió a partir del crítico británico Lawrence Alloway, que en 1958, se refirió así al arte popular en su ensayo The Arts and the Mass Media. Sin embargo, el movimiento nació en Londres, Inglaterra, con una obra de Richard Hamilton llamada “¿Qué es lo que hace de los hogares de hoy en día tan diferentes, tan divertidos?”, un collage considerado la primera obra del Pop Art.
La situación que lo envuelve se encuentran relacionadas al término de la Segunda Guerra Mundial, el nuevo poder alcanzado por Estados Unidos y la URSS, que posteriormente, enmarcaran a la sociedad dentro de la  "Guerra Fría" con estos dos bloques enfrentados.

¿Qué?

El Arte Pop utiliza imágenes conocidas con un sentido diferente para lograr una postura estética o alcanzar una postura crítica de la sociedad de consumo. Como su propio nombre indica "Arte Popular", toma del pueblo los intereses y la temática.
Este movimiento es el resultado de un estilo de vida, la manifestación plástica de una cultura caracterizada por la tecnología, la democracia, la moda y el consumo, donde los objetos dejan de ser únicos para producirse en serie. Se sirve de los objetos industriales, de los carteles, de los artículos de consumo comercial. Describía lo que hasta entonces había sido considerado indigno para el arte: la publicidad, las ilustraciones de revistas, los muebles de serie, los vestidos, las latas de conservas, los "hot-dogs", botellas de coca-cola, etc. Esto se lleva al arte, surgiendo un estilo desnudo y mecanizado, de series reproducidas que enlaza directamente con el mundo de la publicidad. En este tipo de cultura también el arte deja de ser único y se convierte en un objeto más de consumo.

¿Cómo?
Esta vanguardia se caracterizaba por: rechazaba el expresionismo abstracto e intentaba volver a poner el arte en contacto con el mundo y la realidad objetual; utilizaba el lenguaje figurativo y realista referido a las costumbres, ideas y apariencias del mundo contemporáneo; abordaba temáticas extraídas de las grandes ciudades, de sus aspectos sociales y culturales: cómics, revistas, periódicos sensacionalistas, anuncios publicitarios, cine, radio, televisión, música, espectáculos populares, elementos de la sociedad de consumo: se centra en la ausencia del planteamiento crítico: los temas son concebidos como simples "motivos" que justifican el hecho de la pintura.; aunque el lenguaje es figurativo y representa objetos reales, no se concentra exclusivamente en sus cualidades formales, sino que las combina con sus cualidades abstractas intrínsecas gracias al empleo de imágenes familiares y fácilmente reconocibles; representación del carácter inexpresivo;
combinaba la pintura con objetos reales integrados en la composición de la obra,en un nuevo planteamiento dadaísta acorde con los nuevos tiempos; presentaba preferencia por las referencias al status social, la fama, la violencia y los desastres, la sexualidad y el erotismo, los signos de la tecnología industrial y la sociedad de consumo; tomaba formas y figuras a escala natural y ampliada; presentaba principalmente formas planas y tenía un volumen esquemático.
La técnica se veía representada por el uso de colores puros, brillantes y fluorescentes, inspirados en los empleados en la industria y los artistas mezclaron diferentes elementos y objetos volcándolos en texturas y colores, nunca antes usados, convirtiéndolos en verdaderas obras de artes.
Los representantes del Pop Art utilizaron diferentes recursos en la realización de sus obras que iban desde el silkscreen, el óleo, algunas técnicas de la publicidad y de la producción masiva además de utilizar collages y fotografías, todas ellas cargadas de ironía e irreverencia frente a una sociedad cada vez más industrializada. Los materiales como el poliéster, la gomaespuma o la pintura acrílica, ocuparon un lugar destacado.

¿Quién?
Andy Warhol (1928-1987), fue un artista plástico y cineasta estadounidense que desempeñó un papel crucial en el nacimiento y desarrollo del pop art. Tras una exitosa carrera como ilustrador profesional, Warhol adquirió notoriedad mundial por su trabajo en pintura, cine de vanguardia y literatura, notoriedad que vino respaldada por una hábil relación con los medios y por su rol como gurú de la modernidad. Warhol actuó como enlace entre artistas e intelectuales, pero también entre aristócratas, homosexuales, celebridades de Hollywood, drogadictos, modelos, bohemios y pintorescos personajes urbanos.
Una de las obras más reconocidas del artista fue "Latas de sopa Campbell" . Es una obra de arte producida en 1962 y consiste en treinta y dos lienzos, cada uno con una pintura de una lata de sopa Campbell. Las pinturas individuales fueron realizadas con un proceso semimecanizado. El apoyo de Campbell's Soup Cans en temas de cultura popular ayudó al arte pop a instalarse como un movimiento artístico de trascendencia.
Al principio, la combinación del proceso semimecanizado, el estilo y el tema comercial causaron molestia, ya que el evidente comercialismo mundano representaba una afrenta directa a la técnica y filosofía del expresionismo abstracto. Esta controversia condujo a un gran debate acerca de la ética y los méritos que suponían tal trabajo. Los motivos de Warhol como artista fueron cuestionados, y lo continúan siendo hoy en día.


Bibliografía:



Surrealismo

¿Cuándo?
Es un movimiento de vanguardia artística creado en 1924 en Francia, tras el Manifiesto Surrealista de André Breton, donde explica sobre el inconciente, la realidad, los deseos y los sueños. Paralelamente, dentro de su contexto histórico, se manifiestan las consecuencias de lo que había sido la Pimera Guerra Mundial: el 28 de junio de 1919 en el Salón de los Espejos del Palacio de Versalles fue firmado el Tratado del mismo nombre, que puso fin a la Primera Guerra Mundial. El acuerdo coronaba un proceso de paz. Los imperios centrales perdieron la guerra. El Tratado de Versalles implicó para Alemania no sólo su desmembramiento territorial sino un desarme total de su ejército. Austria se vio obligada a reconocer la independencia de Polonia, Checoslovaquia, Yugoslavia y Hungría. Las nuevas fronteras delimitadas en el tratado dejaron desconforme a la mayoría de los países, y constituirán el germen de una nueva guerra mundial.
El Surrealismo propone trasladar esas imágenes al mundo del arte, por medio de una asociación mental libre que no presta atención a la razón o la conciencia.

¿Qué?
El Surrealismo creía en la existencia de otra realidad y en el pensamiento libre. Plasmó un mundo absurdo, ilógico, donde la razón no puede dominar al subconsciente. Tomó del Dadaísmo, la importancia del azar y la rebeldía, pero rechazó su carácter negativo y destructivo. Posteriormente buscó inspiración en el inconsciente, la imaginación, el método de la escritura automática y el estudio de las teorías del psicoanálisis de Freud. Sus teorías acerca del mundo autónomo de los sueños, de la capacidad automática de la psiquis, del profundo y oscuro mundo interior de la mente -el subconsciente o inconsciente- aparecen como reveladoras de una nueva naturaleza del arte humano.

El surrealismo, entendía en la existencia de otra realidad y en el pensamiento libre, se plasmaba realidades ilógicas, donde la razón no puede dominar al subconsciente, por ello los artistas expresaban el pensamiento oculto, con formas impropias y temas como: metamorfosis, máquinas fantásticas, relaciones entre desnudos y máquinas, aislamiento de fragmentos aislados, evocación del caos, representación de autómatas, espasmos, perspectivas vacías, elementos incongruentes, realidades oníricas, imágenes espeluznantes, mutilaciones, animación de lo animado, etc.

¿Cómo?

Para los artistas surrealistas, la obra emerge del automatismo puro, es decir, que la forma expresiva que nace, no está supeditado a ningún tipo de control de la mente, pretenden plasmar o captar formas abstractas o figurativas simbólicas, imágenes de la realidad más profunda del su ser, el subconsciente y onírico (mundo de los sueños), que es la característica principal. El método del automatismo también divide dos caracteres de inspiración surrealista, el primero los que defienden el surrealismo abstracto, con creaciones figurativas propias, asociaciones de imágenes, que surgen de manera rápida, espontánea, fluida, sin hacer caso para nada de la coherencia y el sentido. El segundo grupo, donde se interesaban por los sueños y el realismo mágico, es decir el surrealismo figurativo.
Otras características que este movimiento presentaba era:  la fotografía, la cinematografía y la fabricación de objetos; el collage y el ensamblaje de objetos incongruentes; el forttage (dibujos logrados por el roce de superficies rugosas contra el papel o el lienzo); inspiración en el pensamiento oculto y prohibido, en el erotismo descubren realidades oníricas, y el sexo será tratado de forma impúdica; se interesaron además por el arte de los pueblos primitivos, el arte de los niños y de los dementes; presentaban una preferencia por los títulos largos, equívocos, misteriosos; utilizaron la decalcomanía y el grattage.

¿Quién?

Salvador Dalí (1904–1989) fue un pintor, escultor, grabador, escenógrafo y escritor español, considerado uno de los máximos representantes del surrealismo.
Dalí es conocido por sus impactantes y oníricas imágenes surrealistas. Sus habilidades pictóricas se suelen atribuir a la influencia y admiración por el arte renacentista. También fue un experto dibujante. Este se basaba en sus delirios y obsesiones, aplicando su método paranoico-crítico, caracterizado por una pintura academicista de gran exactitud, formas alargadas, descompuestas y muy llamativas. Su actitud narcisista y megalómana escandalizó a los surrealistas, hasta que lo expulsaron del grupo.
Una obra representativa del movimiento puede ser "sueño causado por el vuelo de una abeja alrededor de una granada un segundo antes de despertar"l es un famoso cuadro del pintor español Salvador Dalí realizado en 1944. Está hecho mediante la técnica del óleo sobre lienzo, es de estilo surrealista.

En este sueño, Dalí pretendía, según explicó en 1962:
"Poner en imágenes por primera vez el descubrimiento de Freud del típico sueño con un argumento largo, consecuencia de la instantaneidad de un accidente que provoca el despertar. Así como la caída de una barra sobre el cuello de una persona dormida provoca simultáneamente su despertar y el final de un largo sueño que termina con la caída sobre ella de la cuchilla de una guillotina, el ruido de la abeja provoca aquí la sensación del picotazo que despertará a Gala".


Bibliografía: