sábado, 27 de abril de 2013

Dadaismo

¿Cuándo?
El Dadaísmo fue una tendencia artística que surgió en Zúrich (Suiza) en 1916. Esta vanguardia se extendió por Europa y llegó hasta Estados Unidos. Estaba en contra del arte, los códigos y valores de su época, la Primera Guerra Mundial y los sistemas establecidos. Influyó en el arte gráfico, en la música, en la poesía. Se presentó como una ideología o una forma de vivir.
Existen muchas otras suposiciones sobre el nombre de este movimiento, “el concepto general que se intentó propagar era que sencillamente no significara nada y fuese escojido al azar.
Una característica fundamental del Dadaísmo es la oposición al concepto de razón instaurado por el Positivismo, crea una especie de antiarte, es una provocación abierta al orden establecido.

¿Qué?

El Dadaísmo surge con la intención de destruir todos los códigos y sistemas establecidos en el mundo del arte. Es un movimiento antiartístico ya que cuestiona la existencia del arte. Se presenta como una ideología total, como una forma de vivir y como un rechazo absoluto de toda tradición o esquema anterior.
Está en contra de la belleza eterna, contra la eternidad de los principios, contra las leyes de la lógica, contra la inmovilidad del pensamiento y contra lo universal. Los dadaístas promueven un cambio, la libertad del individuo, la espontaneidad, lo inmediato, lo aleatorio, la contradicción, defienden el caos frente al orden y la imperfección frente a la perfección.
Los dadaístas consideraban al arte como un gran liberador de ataduras y marcos mentales que restringían la expresión humana. Es por ello que sus tesis buscaban fundir arte y vida como una misma cosa, como algo común y que se insertara en el diario vivir de las personas.


¿Cómo?
Algunas de las características más marcadas de esta vanguardia son: utiliza la expresión irónico-satírica de los valores artísticos establecidos por la tradición y también por la vanguardia fauvista y expresionista (actitud anti-arte); integración de técnicas distintas con empleo de fragmentos de materiales ( collage y décollage) y objetos de desecho cotidiano; niega el arte, despreciando lo retórico y academicista; protesta contra todo convencionalismo volviendo a lo instintivo e irracional; se produce la liberación del subconsciente (se produce una transición al surrealismo y al arte semi-abstracto); expresión libre de la forma artística: todas las cosas de la realidad pueden ser objeto artístico; temática en la que predominan los mecanismos absurdos; utilización de nuevas técnicas: el fotomontaje, variante nueva del collage, realizado a base de imágenes multiplicadas y superpuestas, tomadas de periódicos, revistas y anuncios; y el "merz" o collage dadaísta a base de materiales de desecho de todo tipo y estado.

¿Quién?
Marcel Duchamp (1887-1968) fue un artista y ajedrecista francés. A partir de 1916 emigra a Nueva York y allí define su obra dadaísta. Es totalmente excéntrico. Llega a Nueva York y allí encuentra un campo de experimentación muy apropiado para su tipo de arte. Allí llegan artistas procedentes del viejo continente que huyen de la IGM y se desplazan a escenarios donde no esta presenta la guerra. Y EEUU es un país sin grandes tradiciones artísticas, sin el peso que tiene Europa, con lo que encuentra un clima de una sociedad más abierta a la introducción de novedades.
Una de las obras más representativas de esta vanguardia es "L.H.O.O.Q" realizada en 1919. En L.H.O.O.Q. el objeto es una tarjeta postal barata con una reproducción de la conocida obra de Leonardo da Vinci, la Mona Lisa, a la que Duchamp dibujó un bigote y una perilla con lápiz y le puso un título.


Bibliografía:

Abstracción (Arte abstracto)

¿Cuándo?
El arte abstracto es el estilo artístico que surge alrededor de 1910 y cuyas consecuencias han hecho de él una de las manifestaciones más significativas del espíritu del siglo XX. Este nace en reacción en contra del imperialismo, a las circunstancias políticas de la época (imperialismo, guerras, etc.) y a la aparición de las doctrinas de Freud sobre la importancia del subconsciente. Este tipo de pintura, que al principio fue muy criticada, se convirtió en uno de los mas importantes fenómenos de la historia d el Arte.
Se llevo a cabo en la primera mitad del S. XX, una revolución cultural lo que seria dicha revolución es, como cualquier corriente artística, filosófica y estética que proponga y exponga expresiones creativas innovadoras, originales o libres y que de alguna manera resultan antagónicas al canon o tradición cultural establecida. Esto transforma de una manera u otro al ámbito social; no por ser una moda, si no por crear conciencia de nuevas cosas. En el siglo XX la ciencia y la tecnología se desarrollan a pasos agigantados; los transportes en sí los medios de comunicación.

¿Qué?
El arte abstracto no necesita justificar la representación de las figuras sino que tiende a utilizar un lenguaje visual propio con unos siginificados variados.
Se entiende por arte abstracto el que prescinde de toda figuración (espacio real, objetos, paisajes, figuras, seres animados e incluso formas geométricas si se representan como objetos reales, con iluminación y perspectiva). Una obra abstracta, entendida de forma estricta, no puede hacer referencia a algo exterior a la obra en sí misma, sino que propone una nueva realidad distinta a la natural.
La abstraccion pura o figurativa, es probablemente, el culmen ideal del arte. En el fondo, toda representación artística es una abstracción de la realidad, y la abstracción pura prescinde de todo elemento que vincule la obra de arte con el mundo natural, para quedarse exclusivamente con la idea: con el concepto y la belleza.

¿Cómo?

Es la representación de ideas, conceptos, pensamientos y sentimientos en donde la función de la imagen es restituir la impresión visual de algo real, con mayor o menor grado de realidad reproductiva.
También es la representación artística de personas o cosas de manera abstracta, tomando sus características esenciales y no su forma real.
Las formas abstractas son formas puras, sin posible identificación con imágenes ya existentes, son creadas por la imaginación y la fantasía del artista, también se les llama no figurativas.
La representación de estas obras es libre ya que no representan algún elemento del mundo natural o artificial.
Algunas características son: se emplean pocos elementos, utilización de mezclas, tiene pocos detalles, se basa en la simplificación, rompe con las proporciones, trabaja esencialmente con las formas geométricas.

¿Quién?
Pieter Cornelis Mondriaan (1872-1944), conocido como Piet Mondrian, fue un pintor vanguardista neerlandés, miembro de De Stijl y fundador del neoplasticismo, junto con Theo van Doesburg. Evolucionó desde el naturalismo y el simbolismo hasta la abstracción, de la cual es el principal representante inaugural junto a los rusos Wassily Kandinski y Kazimir Malévich.
Al dedicarse a la abstracción geométrica, Mondrian, busca encontrar la estructura básica del universo, la supuesta “retícula cósmica” que él intenta representar con el no-color blanco (presencia de todos los colores) atravesado por una trama de líneas de no-color negro (ausencia de todos los colores) y, en tal trama, planos geométricos (frecuentemente rectangulares) de los ya mencionados colores primarios, considerados por Mondrian como los colores elementales del universo. De este modo, repudiando las características sensoriales de la textura y la superficie, eliminando las curvas, y en general todo lo formal. Expresó que el arte no debe ser figurativo, no debe implicarse en la reproducción de objetos aparentemente reales, sino que el arte debe ser una especie de indagación de lo absoluto subyacente tras toda la realidad fenoménica.
Una de sus obras más destacadas fue "Composición en amarillo, rojo, azul y negro" pintada en 1921.
Toda la pintura de Mondrian es una operación sobre nociones comunes, sobre la elementalidad de la línea, del plano y e los colores fundamentales. Todas las obras realizadas entre 1920 y 1940 se parecen: son un enrejado de ordenadas que forman recuadros de distintos tamaños y colores elementales entre los que predomina el blanco (la luz); cada uno de ellos depende de una diferente situación perceptiva per o el resultado es siempre el mismo. Toda experiencia de la realidad tiene que revelar la estructura constante de la conciencia.


Bibliografía:



Futurismo

¿Cuándo?
Esta vanguardia se desarrolló en la Italia de los primeros años del siglo XX, congregada en torno al "Manifiesto futurista" dado a conocer por el escritor Tommaso Marinetti en 1909. Un año después varios de los pintores que configuran el grupo elaboran el "Manifiesto de la pintura futurista". El documento fue firmado, entre otros, por los pintores Umberto Boccioni, Giacomo Balla  y Carlo Carrá. En general, debemos entender el concepto de futurismo en sentido estricto, como aquel arte que hace una crítica radical al pasado y busca abrir nuevos caminos a la expresión estética. Este nace como exponente de la crisis del siglo XX, que tuvo como consecuencia más inmediatas las dos guerras mundiales.
El movimiento estaba muy influido por los nuevos descubrimientos ópticos, ligados al cinematógrafo, que revelaron la multiplicación de las imágenes y de las cosas móviles en la retina.

¿Qué?
El futurismo es una batalla por la renovación de las costumbres. No se combate solo el museo y el cementerio, la arqueología y el comercio de antigüedades, sino también el moralismo, la inmovilidad, la matemática falaz, la pedantería, la autoridad de los antepasados y el feminismo.
El arte desde esta perspectiva adquiere un nuevo significado, que rechaza los esquemas conocidos y atrae  a la violencia y la crueldad, a la agresión y a la injusticia, imponiéndose con ardor y entusiasmo.
Rechazaba la estética tradicional e intentó ensalzar la vida contemporánea, basándose en sus dos temas dominantes: la máquina y el movimiento. Se recurría, de este modo, a cualquier medio expresivo capaz de crear un verdadero arte de acción, con el propósito de rejuvenecer y construir de nuevo la faz del mundo.
Sus ideas revolucionarias no deseaban limitarse al arte, sino que, como otros muchos movimientos, pretendían transformar la vida entera del hombre. La estética futurista difunde también una ética de raíz machista y provocadora, amante del deporte y de la guerra, de la violencia y del peligro. Los pintores extraen sus temas de la cultura urbana, máquinas, deportes, guerra, vehículos en movimiento, etc., eliminando progresivamente todo populismo o simbolismo.

¿Cómo?
El Futurismo fue una vanguardia que buscaba reflejar el movimiento, el dinamismo, la velocidad, la fuerza interna de las cosas, la exaltación de la guerra, las máquinas, lo nacional y lo sensual y todo lo que fuese moderno. Este movimiento rompía con lo tradicional, el pasado y el academicismo.
Para lograr el efecto de movimiento se basaron en diferentes técnicas: vibrantes composiciones de color, el divisionismo, la abstracción y desmaterialización de los objetos y finalmente la multiplicación de las posiciones de un mismo elemento, realización de las líneas de fuerza, intensificación de la acción a través de la repetición y la yuxtaposición de frente y dorso de la figura.
Algunas particularidades de este movimiento son: exaltación de la originalidad; estructuras del movimiento (tiempo, velocidad, energía, fuerza, etc); temáticas relacionadas con el mundo moderno: las ciudades y los automóviles, su bullicio y dinamismo, máquinas, deportes, guerras, etc; utilización de formas y colores para generar ritmo; colores resplandecientes; transparencias; multiplicación de líneas y detalles, semejante a la sucesión de imagenes de un caleidoscopio o una película (impresión de dinamismo).

¿Quién?
Umberto Boccioni (1882-1916) fue un pintor y escultor italiano, teórico y principal exponente del movimiento futurista.
Tras su llegada a Milán y su encuentro con los divisionistas y con Filippo Tommaso Marinetti, escribió, junto con Carlo Carrà, Luigi Russolo, Giacomo Balla y Gino Severini, el Manifiesto de los pintores futuristas , al cual siguió el Manifiesto técnico del movimiento futurista. Según dichos manifiestos, el artista moderno debía liberarse de los modelos y las tradiciones figurativas del pasado, para centrarse únicamente en el mundo contemporáneo, dinámico y en continua evolución. Como temas artísticos proponían la ciudad, los automóviles y la caótica realidad cotidiana.
Una de las obras más relevantes del artista es "Dinamismo de un jugador de fútbol" la cual fue pintada en 1913. Como todas las obras del futurismo, esta pintura pretende mostrar el movimiento superponiento los distintos estados que atraviesa un objeto. El artista dispone libremente de los medios plásticos de color y de la forma y los dota de una autonomía ilimitada
Tanto en los detalles como en la composición global Boccioni utiliza relaciones de tensión originadas por contrastes cromáticos, como rojo frente azul, o formales como superficie  frente a volumen, alcanzando de esta manera un estado dinámico puro. Con su Dinamismo de un jugador de fútbol crea una cifra visual para el modelo del movimiento universal que reclama constantemente en el plano de la teoría.


Bibliografía:

Cubismo

¿Cuándo?
Este movimiento nació entre 1907 y 1914 en Francia. El término cubismo fue acuñado por el crítico francés Louis Vauxcelle quien, en el caso de Braque y sus pinturas de "L'Estaque" este dijo, despreciativamente, que era una pintura compuesta por "pequeños cubos". Se originó así el concepto de cubismo.
Este se ve rodeado de un contexto histórico donde las potencias europeas comienzan su expansión colonial en África y Asia. Esta proyección hacia otros continentes obedece a factores económicos, políticos, estratégicos y morales.Además, en esos tiempos la situación mundial era muy tensa, ya había presagios de guerra, aunque Europa occidental navegaba aun tiempos de abundancia y progreso, las artes estaban en una búsqueda de algo nuevo. Así es como varios pintores comenzaron a descubrir nuevas formas de expresión, una de ellas fue el cubismo, que tuvo a su máximo exponente a Pablo Picasso

¿Qué?
El cubismo es un movimiento tomado como pie esencial al resto de las vanguardias europeas del siglo XX. No se trata de un ismo más, sino de la ruptura definitiva con la pintura tradicional.  Este movimiento viene a representar, frente a otros movimientos de la época, el equilibrio y el orden con un lenguaje propio e innovador. Los cubistas se preocupan preferentemente de la  forma, de la líneas que para ellos es mucho más importante que el color. El cubismo presenta los objetos tal y como son concebidos por la mente y como existen, no como son vistos.  Existen tres etapas en el cubismo: el cubismo primitivo (1907-1909): representado por "las señoritas de avignon"(Pablo Picasso); cubismo analítico (1910-1912) en el cual se presenta una descomposición de objetos simples en colores ocre, verde oscuro y gris; y el cubismo sintético (1913- 1914) en el cual se emplea signos plásticos que se comparan con metáforas poéticas. Se caracteriza por la ruptura de todo procedimiento imitativo.

¿Cómo?
En las pinturas de este movimiento, desaparece la perspectiva tradicional. Trata las formas de la naturaleza a través de figuras geométricas, a partir de la fragmentación de líneas y superficies. Los artistas incluyen todas las perspectivas posibles (múltiples), es decir, que tartan de plasmar todos los ángulos de un objeto en el mismo plano. No incluye un punto de vista único y desaparece la sensación de profundidad. Los detalles desaparecen.
Las temáticas ,que engloban los pintores, no son nuevas. Entre ellas se pueden encontrar bodegones, paisajes y retratos.
Los tonos de la paleta son apagados como los grises, verdes y marrones. Este monocromatismo predominó en la primera etapa del cubismo, pero luego se abrió más la paleta, en las etapas posteriores.
El cuadro toma autonomía como objeto con independencia de lo que representa. Esto condujo a que, tiempo más tarde, se claven todo tipos de objetos sobre la tela, desarrollando la técnica del collage.
El resultado de estas obras, son de difícil comprensión. y ello explica que fuera el primero de los movimientos artísticos que necesitó una exégesis por parte de la "crítica", llegando a considerarse el discurso escrito tan importante como la misma práctica artística. De ahí en adelante, todos los movimientos artísticos de vanguardia vinieron acompañados de textos críticos que los explicaban.

¿Quién?
Pablo Picasso , fue un pintor y escultor español, creador, junto con Georges Braque y Juan Gris, del movimiento cubista. Considerado uno de los mayores artistas del siglo XX, participó desde la génesis en muchos movimientos artísticos que se propagaron por el mundo y ejercieron una gran influencia en otros grandes artistas de su tiempo. Teniendo Las señoritas de Aviñón como punto de partida, Braque y Picasso acabaron formulando el cubismo en 1908. El cubismo fue un punto de inflexión radical en la historia del arte que inspiró al resto de vanguardias artísticas el abandono del ilusionismo pictórico, rechazando la descripción naturalista en beneficio de composiciones de formas abstraídas de la percepción convencional, jugando con la tridimensionalidad y la estructura de las superficies.
Una de las obras más representativas de este movimiento es "Las señoritas de avignon" pintado por Picasso en 1907.  Imprime un nuevo punto de partida donde Picasso elimina todo lo sublime de la tradición rompiendo con el Realismo, los cánones de profundidad espacial y el ideal existente hasta entonces del cuerpo femenino, reducida toda la obra a un conjunto de planos angulares sin fondo ni perspectiva espacial, en el que las formas están marcadas por líneas claro-oscuras.
Dos de los rostros, los de aspecto más cubista de los cinco, que asemejan máscaras, se deben a la influencia del arte africano.
Esta obra fue muy criticada e incomprendida incluso entre los artistas, coleccionistas y críticos de arte más vanguardistas de la época, que no comprendieron el nuevo rumbo tomado por Picasso, quien, junto con Georges Braque, crearía y continuaría la nueva corriente cubista hasta el inicio de la Primera Guerra Mundial.


Bibliografía:

martes, 23 de abril de 2013

Fauvismo

¿Cuándo?
Este movimiento tiene origen francés y surgió entre los años 1904 y 1908. Su nombre procede del calificativo fauve (fiera) dado por el crítico de arte Louis Vauxcelles al conjunto de obras presentadas en el Salón de Otoño de París de 1905. Los autores de las obras no dieron importancia peyorativa al nombre de de la corriente sino al contrario lo adoptaron como distintivo de sus obras. Su nacimiento se da a partir de la creación de "Lujo, calma y voluptuosidad", que era una obra realizada por Henri Matisse (considerado el padre de fauvismo) en la cual se pudieron ver indicios de las características que, luego, representarían a esta corriente.

¿Qué?
Este movimiento comparte su concepción con el expresionismo. Este, a partir de las innovaciones en el campo de la fotografía, provoca en los pintores la investigación de nuevas frontera y comienzan el camino hacia la subjetividad. En ellos se puede observar la exageración de la experiencia, la cual les permite hacer más fácilmente comprensible y comunicativa a la pintura. Esta corriente tiene como objetivo provocar un efecto en los espectadores y, a su vez, poder expresar sus más íntimos pensamientos y sentimientos. Sin embargo, los fauvistas no se preocupan del sentido metafísico y de los problemas sociales. El fauvismo goza más con la investigación plástica: la pasión por el color será su manifestación más ostensible de este goce.
Esta despreocupación por el sentido metafísico, los lleva a crear una estética violenta pero armoniosa, lejana de todo pesimismo: rebeldes ante la concepción clásica del realismo idealista, proponían la comunión de los espectadores con las visiones subjetivas que nacían de la sensibilidad del artista en contacto con la naturaleza.

¿Cómo?
Este no es un movimiento teórico sino que tienden a demostrar lo que les dictaba la sensibilidad del artista.  El fauvismo es el producto de la libertad artística y la ausencia de limitaciones. Liberados de los prejuicios de la anatomía, de la perspectiva convencional, de la proporción, los pintores construyeron su propia técnica.
Algunas de las características que representan este movimiento son:

  •  El fundamento de este es la liberación del color respecto al dibujo exaltando los contrastes cromáticos. Los artistas trabajan con la teoría del color interpretando qué colores son primarios, cuáles secundarios y cuáles complementarios. Mediante esto consiguieron una complementariedad entre colores,produciendo un mayor contraste visual y mayor fuerza cromática.
  • En esta búsqueda tan dirigida hacia el color se olvidan otros aspectos como el modelado, el claroscuro o la perspectiva. La técnica pictórica fovista emplea toques rápidos y vigorosos, trazos toscos y discontinuos, aunque se cree distorsión en las figuras: se persigue dar una sensación de espontaneidad.
  • Presenta la intención de expresar sentimiento, percibiendo  así, la naturaleza y lo que les rodea en función de sus sentimientos.
  • Se destacaba la función decorativa y se empleaban las líneas onduladas.
  • Los artistas presentaban una actitud de rebeldía, un intento de transgredir las normas. De está manera, manifestaban su búsqueda por algo nuevo para avanzar en el ámbito de la pintura.
  • Las temáticas que engloban son, en su mayoría, paisajísticas, continuando con la tradición de la pintura al aire libre en contacto directo con el medio ambiente y la naturaleza. Sin embargo, otros artistas prefirieron pintar el mundo rural y otros el ámbito urbano, desnudos e interiores, otros mostraban la importancia de sentir la alegría de vivir.

¿Quién?
Henry Matisse (1869-1954) fue un pintor francés conocido por su uso del color y por su uso original y fluido del dibujo. Como dibujante, grabador, escultor, pero principalmente como pintor, Matisse es reconocido ampliamente como uno de los grandes artistas del siglo XX, y considerado el padre de este movimiento. Gracias a su obra "Lujo, calma y voluptuosidad" se le otorgó el nombre a este movimiento.
Una de las obras más representativas de esta corriente es "Retrato de la raya verde", la cual fue realizada a finales de 1905. En esta obra vemos que el dibujo es esquemático y geométrico, y los colores fuertes y contrastados, además de bastante arbitrarios, como en el fondo de la composición, donde podemos ver cuatro zonas de color distintas y poco realistas. Apenas existe protagonismo de la luz y el fondo es plano, con total ausencia de la perspectiva.. En este se puede ver la contraposición entre el negro de su pelo y el rojo de la estancia y su ropa. Además, se ven dos aspectos muy marcados: la figura en representación de los sentimientos y la  mujer como el centro del universo.
Retrato de la raya verde

Bibliografía:



sábado, 13 de abril de 2013

Expresionismo

¿Cuándo?
Es un movimiento que surge en Alemania, el cual estaba en una etapa de reconstrucción de su estado, a principios del siglo XX, en concordancia con el fauvismo francés. Este está marcado por las consecuencias acarriadas por la Primera Guerra Mundial.
Recibió su nombre en 1911 con ocasión de la exposición de la Secesión berlinesa, en la que se expusieron los cuadros fauvistas de Matisse y sus compañeros franceses, además de algunas de las obras precubistas de Pablo Picasso. Nace con el objetivo de los pintores de plasmar su deseo de transmitir a los espectadores sus sentimientos más que la representación de la realidad objetiva.  La cara oculta de la modernización, la alineación, el aislamiento, la masificación, se hizo patente en las grandes ciudades y los artistas, creyeron que debían captar los sentimientos más íntimos del ser humano. La angustia existencial es el principal motor de su estética.

¿Qué?
La pintura expresionista buscaba transmitir el mundo interior del artista, sus pasiones y angustia existencial para despertar las emociones del espectador sin preocuparse de la realidad exterior, sino de la realidad interna y de las impresiones que produce en el observador.  Las formas dejan de ser bellas y se distorsionan en beneficio de la expresión. En sus obras, los expresionistas tergiversan por completo el mundo real, viéndolo tan sólo como pretexto para plasmar sus sentimientos desequilibrados y darles forma objetiva. De ahí su inclinación a lo extraordinariamente grotesco, a mezclar los planos de la representación, a desfigurar los objetos, etc.

¿Cómo?
Este movimiento esta caracterizado por el color, el dinamismo y el sentimiento. Lo fundamental para los pintores de principios de siglo no era reflejar el mundo de manera realista y fiel sino, sobre todo, romper las formas. Se caracteriza por la violencia y arbitrariedad de los colores empleados, estridentes y puros, aplicados en largas y gruesas pinceladas. No busca la belleza de las obras y se centran en la distorsión de las formas. Las composiciones son dramáticas y agresivas. Se pintan máscaras y paisajes donde los protagonistas son el agua, el cielo, las masas de vegetación o la simple intención de mostrar el ritmo de los sentimientos.
Se caracterizaban por el fuerte componente gráfico, el uso de una línea angulosa y atormentada, con la que los motivos se deformaban hasta alcanzar efectos caricaturescos y el gusto a los colores duro, a los que se daba un significado emotivo. Destacan en sus pinturas los colores azul, amarillo y verde para contrastar con la simplicidad del blanco y el negro. Son frecuentes los rostros desfigurados y tristes.
En sí, el pintor expresionista, distorsiona deliberadamente la forma de los objetos que pinta a fin de resaltar la emoción que trata de expresar en su obra e intensifica el color para resalt

¿Quién?
Edvard Munch (1863-1944) fue un pintor y grabador noruego de la corriente expresionista. Los temas más frecuentes en su obra fueron los relacionados con los sentimientos y las tragedias humanas, como la soledad, la angustia, la muerte y el erotismo. Se le considera precursor del expresionismo, por la fuerte expresividad de los rostros y las actitudes de sus figuras, además del mejor pintor noruego de todos los tiempos.
Uno de sus cuadros más conocidos y considerado muy representativo de este movimiento es El grito la cual fue realizada en 1893. Todas las versiones del cuadro muestran una figura andrógina en primer plano, que simboliza a un hombre moderno en un momento de profunda angustia y desesperación existencial. El paisaje del fondo es Oslo visto desde la colina de Ekeberg.
La obra no fue bien vista por el público al momento de su exposición, pero luego, a finales del siglo XX, adquirió estatus de icono cultural que comenzó en el período post- segunda guerra mundial.


Bibliografía:



Neoimpresionismo

¿Cuándo?
Este movimiento surgió a finales del siglo XIX en Francia, en contraposición a los modelos desarrollados en Europa desde las etapas de renacentismo. Estos engloban el conjunto de tendencias pictóricas que profundizan en algunos rasgos de los pintores impresionistas como son los Divisionistas y los puntillistas. Ambas técnicas se dieron gracias a la teoría de Eugenio Chevreul, realizada a finales del siglo XIX y comienzos del siglo XX, la cual pretendía instaurar un nuevo tratamiento del color y la luz.
La palabra neoimpresionismo se empleó por primera vez en 1887, cuando Félix Féneon, un conocido critico francés, utilizó este término para describir las obras de artistas como Georges Seurat y Paul Signac los cuales le dieron importancia a parámetros más concretos de la realidad: la descomposición del color, del movimiento o del espacio.


¿Qué?
El neomimpresionismo es un movimiento que nace en contraposición del impresionismo por el hecho de que los artistas comienzan a desarrollar preocupación por el volumen y por la ordenación meditada del cuadro.
En él se engloban múltiples tendencias y estilos. Viene a ser un crisol de diferentes técnicas y objetivos que se respondes a las inquietudes de los diferentes artistas.  A estos ni hay que entenderlos bajo un estilo unificado y definido, sino que la obra de cada uno de ellos responde a la individualidad de sus planteamientos.
El fundamento de este estilo se va a encontrar en la pincelada, la cual siempre se ve encontrada con el principio de la decisión de tonos; lo que produce que los cuadros parezcan "mosaicos". Este movimiento continúa con temas como el ocio al aire libre, la vida moderna, el circo, el ballet, la ópera, los espectáculos  y son los que predominan. Son obras muy rígidas, pues buscan más la estabilidad y la composición. Pinturas más construidas que las impresionistas, con un laborioso trabajo de composición, las cuales huyen de la espontaneidad.

¿Cómo?
Este movimiento se caracteriza por englobar dos estilos: el puntillismo, donde la yuxtaposición de la pincelada es sustituida por puntos y descomponer totalmente la imagen; y el divisionismo, donde la las largas pinceladas se dividen y pasan a ser cortas y en gran cantidad. Ambos llevan a cabo un minucioso estudio del color, donde los tonos se dividen o descomponen en colores básicos puro para que el ojo los restituya en la visión lejana normal. Es por ello que se dice que esta pintura es intelectual y es la primera vez que la ciencia se combina con la pintura.
Otras características de este movimiento fueron: el dibujo y el trazo tomaron nuevamente importancia; se observa una marcada tendencia a la esquematización de las formas y los volúmenes simplificados; en una misma composición se toman en cuenta distintos puntos de vista, lo que produce que las obras sean asimétricas y desdentradas; los artistas tienen afinidad por los detalles, situaciones insólitas y las siluetas; las obras comienzan al aire libre, pero finalizan en el taller; existe la sensación de que la luz emana de los cuerpos; existen mayores conexiones con el simbolismo; tomó gran relevancia el volumen en las formas y las formas concebidas dentro de una geometría de masas puras, bien definidas (pero sin perfiles).

¿Quién?
Georges Pierre Seurat (1859-1891), fue el precursor del puntillismo. Siempre le interesó de gran manera el color, lo que lo llevó a estudiar los tratados de luz y color. Seurat afirma que toda práctica debería estar regida por la observación. Para él era necesaria la utilización de colores puros y complementarios ya que al observar una obra puntillista la retina procede a fundir los puntos de color. El fundamento del color viene dado por la división del tono en sus componentes integrantes.
Uno de sus cuadros más conocidos es Tarde de domingo en la isla de la grande Jatte, la cual es considerada una de las obras mas relevantes del siglo XIX. Esta fue pintada en 1884. Seurat basado en el estudio de la teoría óptica del color, contrastó puntos minúsculos de color que, a través de la unificación óptica, forman una figura coherente en el ojo del observador. Creía que esta forma de pintura, conocida luego como puntillismo, haría los colores más brillantes y fuertes que pintados a pinceladas.
En este cuadro se muestra una atmósfera de dignidad monumental a través de un orden equilibrado de sus elementos y los contornos de sus figuras.
File:Georges Seurat 031.jpg

Bibliografía:

miércoles, 10 de abril de 2013

Postimpresionismo

File:Vincent Willem van Gogh 128.jpg

Los girasoles de Vincent Van Gogh. Es una serie de cuadros que comenzó a pintarse en 1888 y se pueden considerar representativos del movimiento por las técnicas utilizadas por el artista.

Impresionismo


File:Claude Monet, Impression, soleil levant, 1872.jpg

Impression, soleil levant ( Impresión, sol naciente) de Claude Monet, realizado en 1882. Esta obra fue la que le dio nombre a esta movimiento.