sábado, 4 de mayo de 2013

Conclusión

A lo largo de este trabajo, me dí cuenta de cómo el arte le sirvió al hombre como salida para todo aquello que quería expresar y contar. El contexto en el que se localizaban las vanguardias afectaban directamente al artista que desarrollaba una nueva manera para manifestarse, ya sea a través de nuevas temáticas que abordaban o el uso de nuevas técnicas. Además, pude darme cuenta de que el arte también sufrió una evolución a raíz de los avances científicos y tecnológicos, y que en ella se relacionan todo lo que rodea y afecta en la vida al hombre. 
También, a través de las investigación, conocí artistas latinoamericanos que me ayudaron a comprender que la pintura no solo se puede encontrar en Europa sino que se desarrolla en lugares cercanos y conocidos. 
Aunque, en un principio, algunos movimientos no me hayan resultado atractivos, me gustó poder conocer el porqué de su estética ya que muchos de ellos no querían ser "bellos" sino que se concentraban más en los aspectos emocionales y en lo que verdaderamente quería causar en el espectador, como por ejemplo: el expresionismo y, posteriormente, el neoexpresionismo. Y finalmente, son estos movimientos los que más me llamaron la atención.

Neoexpresionismo

¿Cuándo?
El neoexpresionismo es un movimiento pictórico surgido a finales de los años setenta y principios de los años ochenta en Alemania, desde donde se extendió por el resto de Europa y Estados Unidos. Este recupera modelos propios del expresionismo. Además sus fuentes de inspiración fueron muy variadas. No sólo toman elementos del Expresionismo sino de movimientos anteriores de signo contrario. De la mezcla de todo lograron crear un producto nuevo. Movimiento cuya principal característica es la heterogeneidad de planteamientos. El desarrollo del Neo Expresionismo se divide en dos momentos principales. El primero lo protagonizan artistas cuyo nacimiento tuvo lugar durante la Segunda Guerra Mundial. La segunda generación estaba formada por pintores nacidos en la década de los años cincuenta. 
Éste gozó de una gran popularidad en su momento, en parte gracias a la fuerte promoción que recibió por parte de gente importante dentro del medio artístico de la época.

¿Qué?
Este se propone retomar la figuración desde su tratamiento violento y primitivo, determinado por la pincelada y el uso de colores contrastantes, aunque conservando la disposición tradicional de la composición. Esta vanguardia surgió como una reacción contra el minimalismo y el arte conceptual que predominaron durante los años setenta, y  se caracteriza por su agresividad, sus descarnados temas, la forma en que estos son tratados y el uso de imágenes fácilmente reconocibles como el cuerpo humano, generalmente dibujadas de manera muy burda. La inspiración de este en base a vanguardias anteriores como el expresionismo, provocó que muchos historiadores y críticos lo postularan como la transición coyuntural estilística entre las últimas vanguardias de la modernidad y la posmodernidad.

¿Cuándo?
Algunas de las características del movimiento son: el regreso de las imágenes de tipo expresionista; el gusto por la fusión de elementos de tendencias anteriores; la yuxtaposición de elementos figurativos y abstractos: generalmente fondos a base de manchas o franjas de color sobre los que se disponen figuraciones contrastantes; la figuración a base de formas esquemáticas de carácter emocional y expresivo; la representación de objetos de modo intuitivo y sin atender a su perspectiva dentro del conjunto de la obra; la ejecución de trazos más amplios; la preferencia por el óleo, aunque frecuentemente en combinación con otras técnicas; preferencia por la pintura empastada, que puede ser mezclada con otros materiales; temáticas que abordaban la mitología individual, la cultura nacional, símbolos de poder, figuras heroicas  temas bélicos,  dramáticos, satíricos, etc, con el predominio de la figura humana.   

¿Quién?
Georg Baselitz (1938) es un pintor alemán que estudió en la anterior Alemania del Este, antes de trasladarse a lo que entonces era la República Federal de Alemania. El estilo de Baselitz se interpreta por los estadounidenses como neoexpresionista, pero desde una perspectiva europea, se considera más bien postmoderno.
Su obra puede ser vista, de hecho, como la típica voluntad de confrontación con la pintura, fuera de todas las categorías formales y de los valores expresivos tradicionales, tomando como base la intención de superar la irreducible contraposición de la pintura figurativa y la abstracta.
Una de sus obras más representativas fue "Cena en Desdre" realizada en 1983. Está realizado por óleo sobre tela.  En esta obra, mantiene la tendencia figurativa, pero las escenas y personajes aparecen pintados boca abajo, tratando de romper con el convencionalismo habitual hasta el momento en la historia de la pintura. Como afirmaba el propio pintor: "Mis composiciones del revés fueron en realidad el resultado de un largo proceso para intentar subvertir el orden normal de los pintores... A fin de cuentas, la provocación es la regla general de la historia de la pintura".

Bibliografía:

Hiperrealismo

¿Cuándo?
El hiperrealismo es una tendencia radical de la pintura realista surgida en Estados Unidos a finales de los años 60 del siglo XX que propone reproducir la realidad con más fidelidad y objetividad que la fotografía. Para muchos es el sucesor bastardo del Pop Art. Para otros no es más que el regreso hacia un estilo conservador al momento de percibir la realidad a través de la pintura o la escultura. En esa época la abstracción era la tendencia dominante y el realismo estaba mal visto; se consideraba un arte que copiaba de fotografías o de la realidad y sin ningún interés.

¿Qué?
Esta tendencia consiste básicamente en traducir literal y fotográfica-mente la realidad con la técnica pictórica tradicional, aunque cada pintor da un toque personal a sus obras, expresando de esta forma su opinión sobre la imagen. Este es un arte que, en un sentido, parece apelar a respuestas enteramente triviales a la sensación placentera de ver algo imitado exactamente, sin importar lo que es esa cosa, pero que a un nivel más profundo habla a su publico porque expresa, sin retorica, la nulidad y desesperación que se encuentra en grandes áreas de la sociedad urbana.
Los temas son representados con exactitud minuciosa e impersonal en los detalles, por medio de una agudeza óptica llevada a cabo con tal virtuosismo técnico, que supera la "visión" del objetivo fotográfico. El propósito del Hiperrealismo es acercarse a una supuesta objetividad visual en la representación de retratos, naturalezas muertas, interiores y paisajes, a través de un singular método de trabajo que compagina técnica y disciplina.

¿Cómo?
Las características que presentaban los artistas a la hora de producir algunas de estas obras se basaban en el trabajo sobre fotografías, tratando con igual agudeza y precisión todo el cuadro.
También, utilizan grandes tamaños de cuadros y pintura plana, que aspiran a producir la impresión de inmensas ampliaciones fotográficas. Se va de lo real a la fotografía y de la foto al cuadro, reafirmando dos veces lo real o, tal vez, distanciándose doblemente del objeto; no hay una mirada subjetiva sobre la realidad, puesto que las imágenes son frías.
En algunos casos el uso del aerógrafo refuerza el aspecto brillante de la pintura y sus similitudes con el papel fotográfico. Una característica notable de esta tendencia es la especialización de los artistas en temas concretos.
Los temas que trataban los pintores de la vanguardia eran variados como mujeres en ropa interior, fachadas de edificios, escenas de calle, coches, etc. En sí, buscaban imágenes dignas de retratarse, señala los aspectos más banales de la vida y gracias a nuevos materiales como la fibra de vidrio que da una gran realidad.

¿Quién?
Don Eddy (1944, Long Beach, California ) es un pintor estadounidense que saltó a la fama inicialmente  como fotorrealista, pero en la actualidad se abarcó en los terrenos de la mteafísica.
En los años 70' las obras realizadas por este artista rindieron homenaje a los coches y el paise urbano. Luego, ya en los años 80', sus obras estaban orientadas a la representación de objetos como cristalería, cubiertos, juguetes en una serie de estantes de vidrio. Don Eddy es conocido por su exploración en la naturaleza y el concepto de realidad y la percepción visual. Su pintura se caracteriza por el uso de aerógrafo y miles de puntos de colores. Este artista realiza una selección entre 40 o más fotografías para asegurarse de que posee la más nítida posible a la hora de comenzar una nueva pintura.
Una de sus obras más reconocida es la de los dos autos, esta no tiene título, pero fue realizada en 1971. En ella se puede ver una de las temáticas más utilizadas por el pintor, los automóviles. En esta, la ciudad se encuentra en segundo plano, y lo que se destaca son las figuras de los coches a través de tonos metalizados y los detalles urbanos de la época. En esa época, los autos como los Escarabajos Volkswagen eran un clásico y se caracterizaban por el lujo que presentaban sus colores, los reflejos al agua, el lustre que presentaban sus carrocerías. También, se puede decir, que en esta pintura se ve la masificación, el mercado y la competencia en esa época.


Bibliografía:

Op Art

¿Cuándo?
El Arte Óptico es un movimiento pictórico nacido en Estados Unidos en abril del año 1958, en una exposición celebrada en la galería francesa de Denis René. El movimiento artístico quedó definido a partir de una exposición celebrada en 1965 en el Museo de Arte Moderno de Nueva York titulada The Responsive Eye que agrupaba a una serie de artistas de distintas nacionalidades seguidores de esta tendencia. Este estaba enmarcado en un periodo en donde dominaron las guerras mundiales y se desarrollaron las nuevas armas nucleares. Donde dos potencias: Estados Unidos y la URSS, estuvieron en conflicto desde el fin de la Segunda Guerra Mundial hasta el año 1991.
El op art consiste en efectos cromáticos y formales dinámicos, que incorpora la indolencia visual, por lo que se aprecian más estructuras cromáticas que plásticas.

¿Qué?
La finalidad de esta vanguardia reside en que  el observador participa activamente moviéndose o desplazándose para poder captar el efecto óptico completamente, por tanto se puede decir que no existe ningún aspecto emocional en las obras. Esta está basada en la composición pictórica de fenómenos puramente ópticos, sensaciones de movimiento en una superficie bidimensional, engañando al ojo humano mediante ilusiones ópticas. Se utilizan estructuras de repetición con un orden claro. Frente a otras tendencias racionales, el Arte Óptico se basa en principios científicos rigurosos con el fin de producir efectos visuales inéditos. Tuvo profundas raíces en la tradición del Bauhaus, y es la consecuencia del tipo de experimentos que el Bauhaus alentaba en sus alumnos.
El Op Art se diferencia del Arte cinético por la aunsencia total de movimiento dentro de sus obras.

¿Qué?

El Arte Óptico se caracteriza por varios aspectos: la ausencia total del movimiento real, todas sus obras son físicamente estáticas, lo cual lo diferencia del Arte cinético; se pretende crear efectos visuales tales como movimiento aparente, vibración, parpadeo o difuminación; usa también figuras geométricas simples, como rectángulos, triángulos y circunferencias en tramados, combinaciones o formaciones complejas; usa los recursos de líneas paralelas, tanto rectas como sinuosas, contrastes cromáticos marcados, ya sea poli o bicromáticos, cambios de forma y tamaño, combinación y repetición de formas y figuras, entre otros recursos ópticos; en muchos casos el observador participa activamente moviéndose o desplazándose para poder captar el efecto óptico completamente; se usa el acrílico para obtener superficies lisas, limpias y muy bien definidas; el artista del Arte Óptico no pretende plasmar en su obra sensaciones o situaciones, no existe ningún aspecto emocional en la obra.

¿Quién?
Víctor Vasarely (Hungría, 1908-1997). Es el creador del movimiento del Arte Óptico en Europa, muy conocido gracias a sus serigrafías con efectos ópticos. Vasarely inventó y difundió el Arte Óptico entorno a 1940 en París. En 1946. Combina colores y dos tipos de perspectiva para crear imágenes ambiguas y contradictorias.
Una de las obras de este artista que enmarca este movimiento es "Tlinko 22" .Fue elaborado en 1955, al verlo se persive un movimiento como en círculos provocado por la posición de cuadros y rombos en diferentes posiciones y el contraste de cuadros con negros rodeados por líneas blancas y una pequeña línea gris provoca dicho movimiento tan atrayente que nos hace dudar de lo que vemos.


Bibliografía;


Pop Art

¿Cuándo?
El Pop Art o Arte Pop es un movimiento artístico visual, que nació tanto en Inglaterra como en Estados Unidos en la década de 1950. Surgió de algunos artistas como una reacción en contra del expresionismo abstracto, que consideraban que no era entendible para la persona común.
El termino surgió a partir del crítico británico Lawrence Alloway, que en 1958, se refirió así al arte popular en su ensayo The Arts and the Mass Media. Sin embargo, el movimiento nació en Londres, Inglaterra, con una obra de Richard Hamilton llamada “¿Qué es lo que hace de los hogares de hoy en día tan diferentes, tan divertidos?”, un collage considerado la primera obra del Pop Art.
La situación que lo envuelve se encuentran relacionadas al término de la Segunda Guerra Mundial, el nuevo poder alcanzado por Estados Unidos y la URSS, que posteriormente, enmarcaran a la sociedad dentro de la  "Guerra Fría" con estos dos bloques enfrentados.

¿Qué?

El Arte Pop utiliza imágenes conocidas con un sentido diferente para lograr una postura estética o alcanzar una postura crítica de la sociedad de consumo. Como su propio nombre indica "Arte Popular", toma del pueblo los intereses y la temática.
Este movimiento es el resultado de un estilo de vida, la manifestación plástica de una cultura caracterizada por la tecnología, la democracia, la moda y el consumo, donde los objetos dejan de ser únicos para producirse en serie. Se sirve de los objetos industriales, de los carteles, de los artículos de consumo comercial. Describía lo que hasta entonces había sido considerado indigno para el arte: la publicidad, las ilustraciones de revistas, los muebles de serie, los vestidos, las latas de conservas, los "hot-dogs", botellas de coca-cola, etc. Esto se lleva al arte, surgiendo un estilo desnudo y mecanizado, de series reproducidas que enlaza directamente con el mundo de la publicidad. En este tipo de cultura también el arte deja de ser único y se convierte en un objeto más de consumo.

¿Cómo?
Esta vanguardia se caracterizaba por: rechazaba el expresionismo abstracto e intentaba volver a poner el arte en contacto con el mundo y la realidad objetual; utilizaba el lenguaje figurativo y realista referido a las costumbres, ideas y apariencias del mundo contemporáneo; abordaba temáticas extraídas de las grandes ciudades, de sus aspectos sociales y culturales: cómics, revistas, periódicos sensacionalistas, anuncios publicitarios, cine, radio, televisión, música, espectáculos populares, elementos de la sociedad de consumo: se centra en la ausencia del planteamiento crítico: los temas son concebidos como simples "motivos" que justifican el hecho de la pintura.; aunque el lenguaje es figurativo y representa objetos reales, no se concentra exclusivamente en sus cualidades formales, sino que las combina con sus cualidades abstractas intrínsecas gracias al empleo de imágenes familiares y fácilmente reconocibles; representación del carácter inexpresivo;
combinaba la pintura con objetos reales integrados en la composición de la obra,en un nuevo planteamiento dadaísta acorde con los nuevos tiempos; presentaba preferencia por las referencias al status social, la fama, la violencia y los desastres, la sexualidad y el erotismo, los signos de la tecnología industrial y la sociedad de consumo; tomaba formas y figuras a escala natural y ampliada; presentaba principalmente formas planas y tenía un volumen esquemático.
La técnica se veía representada por el uso de colores puros, brillantes y fluorescentes, inspirados en los empleados en la industria y los artistas mezclaron diferentes elementos y objetos volcándolos en texturas y colores, nunca antes usados, convirtiéndolos en verdaderas obras de artes.
Los representantes del Pop Art utilizaron diferentes recursos en la realización de sus obras que iban desde el silkscreen, el óleo, algunas técnicas de la publicidad y de la producción masiva además de utilizar collages y fotografías, todas ellas cargadas de ironía e irreverencia frente a una sociedad cada vez más industrializada. Los materiales como el poliéster, la gomaespuma o la pintura acrílica, ocuparon un lugar destacado.

¿Quién?
Andy Warhol (1928-1987), fue un artista plástico y cineasta estadounidense que desempeñó un papel crucial en el nacimiento y desarrollo del pop art. Tras una exitosa carrera como ilustrador profesional, Warhol adquirió notoriedad mundial por su trabajo en pintura, cine de vanguardia y literatura, notoriedad que vino respaldada por una hábil relación con los medios y por su rol como gurú de la modernidad. Warhol actuó como enlace entre artistas e intelectuales, pero también entre aristócratas, homosexuales, celebridades de Hollywood, drogadictos, modelos, bohemios y pintorescos personajes urbanos.
Una de las obras más reconocidas del artista fue "Latas de sopa Campbell" . Es una obra de arte producida en 1962 y consiste en treinta y dos lienzos, cada uno con una pintura de una lata de sopa Campbell. Las pinturas individuales fueron realizadas con un proceso semimecanizado. El apoyo de Campbell's Soup Cans en temas de cultura popular ayudó al arte pop a instalarse como un movimiento artístico de trascendencia.
Al principio, la combinación del proceso semimecanizado, el estilo y el tema comercial causaron molestia, ya que el evidente comercialismo mundano representaba una afrenta directa a la técnica y filosofía del expresionismo abstracto. Esta controversia condujo a un gran debate acerca de la ética y los méritos que suponían tal trabajo. Los motivos de Warhol como artista fueron cuestionados, y lo continúan siendo hoy en día.


Bibliografía:



Surrealismo

¿Cuándo?
Es un movimiento de vanguardia artística creado en 1924 en Francia, tras el Manifiesto Surrealista de André Breton, donde explica sobre el inconciente, la realidad, los deseos y los sueños. Paralelamente, dentro de su contexto histórico, se manifiestan las consecuencias de lo que había sido la Pimera Guerra Mundial: el 28 de junio de 1919 en el Salón de los Espejos del Palacio de Versalles fue firmado el Tratado del mismo nombre, que puso fin a la Primera Guerra Mundial. El acuerdo coronaba un proceso de paz. Los imperios centrales perdieron la guerra. El Tratado de Versalles implicó para Alemania no sólo su desmembramiento territorial sino un desarme total de su ejército. Austria se vio obligada a reconocer la independencia de Polonia, Checoslovaquia, Yugoslavia y Hungría. Las nuevas fronteras delimitadas en el tratado dejaron desconforme a la mayoría de los países, y constituirán el germen de una nueva guerra mundial.
El Surrealismo propone trasladar esas imágenes al mundo del arte, por medio de una asociación mental libre que no presta atención a la razón o la conciencia.

¿Qué?
El Surrealismo creía en la existencia de otra realidad y en el pensamiento libre. Plasmó un mundo absurdo, ilógico, donde la razón no puede dominar al subconsciente. Tomó del Dadaísmo, la importancia del azar y la rebeldía, pero rechazó su carácter negativo y destructivo. Posteriormente buscó inspiración en el inconsciente, la imaginación, el método de la escritura automática y el estudio de las teorías del psicoanálisis de Freud. Sus teorías acerca del mundo autónomo de los sueños, de la capacidad automática de la psiquis, del profundo y oscuro mundo interior de la mente -el subconsciente o inconsciente- aparecen como reveladoras de una nueva naturaleza del arte humano.

El surrealismo, entendía en la existencia de otra realidad y en el pensamiento libre, se plasmaba realidades ilógicas, donde la razón no puede dominar al subconsciente, por ello los artistas expresaban el pensamiento oculto, con formas impropias y temas como: metamorfosis, máquinas fantásticas, relaciones entre desnudos y máquinas, aislamiento de fragmentos aislados, evocación del caos, representación de autómatas, espasmos, perspectivas vacías, elementos incongruentes, realidades oníricas, imágenes espeluznantes, mutilaciones, animación de lo animado, etc.

¿Cómo?

Para los artistas surrealistas, la obra emerge del automatismo puro, es decir, que la forma expresiva que nace, no está supeditado a ningún tipo de control de la mente, pretenden plasmar o captar formas abstractas o figurativas simbólicas, imágenes de la realidad más profunda del su ser, el subconsciente y onírico (mundo de los sueños), que es la característica principal. El método del automatismo también divide dos caracteres de inspiración surrealista, el primero los que defienden el surrealismo abstracto, con creaciones figurativas propias, asociaciones de imágenes, que surgen de manera rápida, espontánea, fluida, sin hacer caso para nada de la coherencia y el sentido. El segundo grupo, donde se interesaban por los sueños y el realismo mágico, es decir el surrealismo figurativo.
Otras características que este movimiento presentaba era:  la fotografía, la cinematografía y la fabricación de objetos; el collage y el ensamblaje de objetos incongruentes; el forttage (dibujos logrados por el roce de superficies rugosas contra el papel o el lienzo); inspiración en el pensamiento oculto y prohibido, en el erotismo descubren realidades oníricas, y el sexo será tratado de forma impúdica; se interesaron además por el arte de los pueblos primitivos, el arte de los niños y de los dementes; presentaban una preferencia por los títulos largos, equívocos, misteriosos; utilizaron la decalcomanía y el grattage.

¿Quién?

Salvador Dalí (1904–1989) fue un pintor, escultor, grabador, escenógrafo y escritor español, considerado uno de los máximos representantes del surrealismo.
Dalí es conocido por sus impactantes y oníricas imágenes surrealistas. Sus habilidades pictóricas se suelen atribuir a la influencia y admiración por el arte renacentista. También fue un experto dibujante. Este se basaba en sus delirios y obsesiones, aplicando su método paranoico-crítico, caracterizado por una pintura academicista de gran exactitud, formas alargadas, descompuestas y muy llamativas. Su actitud narcisista y megalómana escandalizó a los surrealistas, hasta que lo expulsaron del grupo.
Una obra representativa del movimiento puede ser "sueño causado por el vuelo de una abeja alrededor de una granada un segundo antes de despertar"l es un famoso cuadro del pintor español Salvador Dalí realizado en 1944. Está hecho mediante la técnica del óleo sobre lienzo, es de estilo surrealista.

En este sueño, Dalí pretendía, según explicó en 1962:
"Poner en imágenes por primera vez el descubrimiento de Freud del típico sueño con un argumento largo, consecuencia de la instantaneidad de un accidente que provoca el despertar. Así como la caída de una barra sobre el cuello de una persona dormida provoca simultáneamente su despertar y el final de un largo sueño que termina con la caída sobre ella de la cuchilla de una guillotina, el ruido de la abeja provoca aquí la sensación del picotazo que despertará a Gala".


Bibliografía:





sábado, 27 de abril de 2013

Dadaismo

¿Cuándo?
El Dadaísmo fue una tendencia artística que surgió en Zúrich (Suiza) en 1916. Esta vanguardia se extendió por Europa y llegó hasta Estados Unidos. Estaba en contra del arte, los códigos y valores de su época, la Primera Guerra Mundial y los sistemas establecidos. Influyó en el arte gráfico, en la música, en la poesía. Se presentó como una ideología o una forma de vivir.
Existen muchas otras suposiciones sobre el nombre de este movimiento, “el concepto general que se intentó propagar era que sencillamente no significara nada y fuese escojido al azar.
Una característica fundamental del Dadaísmo es la oposición al concepto de razón instaurado por el Positivismo, crea una especie de antiarte, es una provocación abierta al orden establecido.

¿Qué?

El Dadaísmo surge con la intención de destruir todos los códigos y sistemas establecidos en el mundo del arte. Es un movimiento antiartístico ya que cuestiona la existencia del arte. Se presenta como una ideología total, como una forma de vivir y como un rechazo absoluto de toda tradición o esquema anterior.
Está en contra de la belleza eterna, contra la eternidad de los principios, contra las leyes de la lógica, contra la inmovilidad del pensamiento y contra lo universal. Los dadaístas promueven un cambio, la libertad del individuo, la espontaneidad, lo inmediato, lo aleatorio, la contradicción, defienden el caos frente al orden y la imperfección frente a la perfección.
Los dadaístas consideraban al arte como un gran liberador de ataduras y marcos mentales que restringían la expresión humana. Es por ello que sus tesis buscaban fundir arte y vida como una misma cosa, como algo común y que se insertara en el diario vivir de las personas.


¿Cómo?
Algunas de las características más marcadas de esta vanguardia son: utiliza la expresión irónico-satírica de los valores artísticos establecidos por la tradición y también por la vanguardia fauvista y expresionista (actitud anti-arte); integración de técnicas distintas con empleo de fragmentos de materiales ( collage y décollage) y objetos de desecho cotidiano; niega el arte, despreciando lo retórico y academicista; protesta contra todo convencionalismo volviendo a lo instintivo e irracional; se produce la liberación del subconsciente (se produce una transición al surrealismo y al arte semi-abstracto); expresión libre de la forma artística: todas las cosas de la realidad pueden ser objeto artístico; temática en la que predominan los mecanismos absurdos; utilización de nuevas técnicas: el fotomontaje, variante nueva del collage, realizado a base de imágenes multiplicadas y superpuestas, tomadas de periódicos, revistas y anuncios; y el "merz" o collage dadaísta a base de materiales de desecho de todo tipo y estado.

¿Quién?
Marcel Duchamp (1887-1968) fue un artista y ajedrecista francés. A partir de 1916 emigra a Nueva York y allí define su obra dadaísta. Es totalmente excéntrico. Llega a Nueva York y allí encuentra un campo de experimentación muy apropiado para su tipo de arte. Allí llegan artistas procedentes del viejo continente que huyen de la IGM y se desplazan a escenarios donde no esta presenta la guerra. Y EEUU es un país sin grandes tradiciones artísticas, sin el peso que tiene Europa, con lo que encuentra un clima de una sociedad más abierta a la introducción de novedades.
Una de las obras más representativas de esta vanguardia es "L.H.O.O.Q" realizada en 1919. En L.H.O.O.Q. el objeto es una tarjeta postal barata con una reproducción de la conocida obra de Leonardo da Vinci, la Mona Lisa, a la que Duchamp dibujó un bigote y una perilla con lápiz y le puso un título.


Bibliografía:

Abstracción (Arte abstracto)

¿Cuándo?
El arte abstracto es el estilo artístico que surge alrededor de 1910 y cuyas consecuencias han hecho de él una de las manifestaciones más significativas del espíritu del siglo XX. Este nace en reacción en contra del imperialismo, a las circunstancias políticas de la época (imperialismo, guerras, etc.) y a la aparición de las doctrinas de Freud sobre la importancia del subconsciente. Este tipo de pintura, que al principio fue muy criticada, se convirtió en uno de los mas importantes fenómenos de la historia d el Arte.
Se llevo a cabo en la primera mitad del S. XX, una revolución cultural lo que seria dicha revolución es, como cualquier corriente artística, filosófica y estética que proponga y exponga expresiones creativas innovadoras, originales o libres y que de alguna manera resultan antagónicas al canon o tradición cultural establecida. Esto transforma de una manera u otro al ámbito social; no por ser una moda, si no por crear conciencia de nuevas cosas. En el siglo XX la ciencia y la tecnología se desarrollan a pasos agigantados; los transportes en sí los medios de comunicación.

¿Qué?
El arte abstracto no necesita justificar la representación de las figuras sino que tiende a utilizar un lenguaje visual propio con unos siginificados variados.
Se entiende por arte abstracto el que prescinde de toda figuración (espacio real, objetos, paisajes, figuras, seres animados e incluso formas geométricas si se representan como objetos reales, con iluminación y perspectiva). Una obra abstracta, entendida de forma estricta, no puede hacer referencia a algo exterior a la obra en sí misma, sino que propone una nueva realidad distinta a la natural.
La abstraccion pura o figurativa, es probablemente, el culmen ideal del arte. En el fondo, toda representación artística es una abstracción de la realidad, y la abstracción pura prescinde de todo elemento que vincule la obra de arte con el mundo natural, para quedarse exclusivamente con la idea: con el concepto y la belleza.

¿Cómo?

Es la representación de ideas, conceptos, pensamientos y sentimientos en donde la función de la imagen es restituir la impresión visual de algo real, con mayor o menor grado de realidad reproductiva.
También es la representación artística de personas o cosas de manera abstracta, tomando sus características esenciales y no su forma real.
Las formas abstractas son formas puras, sin posible identificación con imágenes ya existentes, son creadas por la imaginación y la fantasía del artista, también se les llama no figurativas.
La representación de estas obras es libre ya que no representan algún elemento del mundo natural o artificial.
Algunas características son: se emplean pocos elementos, utilización de mezclas, tiene pocos detalles, se basa en la simplificación, rompe con las proporciones, trabaja esencialmente con las formas geométricas.

¿Quién?
Pieter Cornelis Mondriaan (1872-1944), conocido como Piet Mondrian, fue un pintor vanguardista neerlandés, miembro de De Stijl y fundador del neoplasticismo, junto con Theo van Doesburg. Evolucionó desde el naturalismo y el simbolismo hasta la abstracción, de la cual es el principal representante inaugural junto a los rusos Wassily Kandinski y Kazimir Malévich.
Al dedicarse a la abstracción geométrica, Mondrian, busca encontrar la estructura básica del universo, la supuesta “retícula cósmica” que él intenta representar con el no-color blanco (presencia de todos los colores) atravesado por una trama de líneas de no-color negro (ausencia de todos los colores) y, en tal trama, planos geométricos (frecuentemente rectangulares) de los ya mencionados colores primarios, considerados por Mondrian como los colores elementales del universo. De este modo, repudiando las características sensoriales de la textura y la superficie, eliminando las curvas, y en general todo lo formal. Expresó que el arte no debe ser figurativo, no debe implicarse en la reproducción de objetos aparentemente reales, sino que el arte debe ser una especie de indagación de lo absoluto subyacente tras toda la realidad fenoménica.
Una de sus obras más destacadas fue "Composición en amarillo, rojo, azul y negro" pintada en 1921.
Toda la pintura de Mondrian es una operación sobre nociones comunes, sobre la elementalidad de la línea, del plano y e los colores fundamentales. Todas las obras realizadas entre 1920 y 1940 se parecen: son un enrejado de ordenadas que forman recuadros de distintos tamaños y colores elementales entre los que predomina el blanco (la luz); cada uno de ellos depende de una diferente situación perceptiva per o el resultado es siempre el mismo. Toda experiencia de la realidad tiene que revelar la estructura constante de la conciencia.


Bibliografía:



Futurismo

¿Cuándo?
Esta vanguardia se desarrolló en la Italia de los primeros años del siglo XX, congregada en torno al "Manifiesto futurista" dado a conocer por el escritor Tommaso Marinetti en 1909. Un año después varios de los pintores que configuran el grupo elaboran el "Manifiesto de la pintura futurista". El documento fue firmado, entre otros, por los pintores Umberto Boccioni, Giacomo Balla  y Carlo Carrá. En general, debemos entender el concepto de futurismo en sentido estricto, como aquel arte que hace una crítica radical al pasado y busca abrir nuevos caminos a la expresión estética. Este nace como exponente de la crisis del siglo XX, que tuvo como consecuencia más inmediatas las dos guerras mundiales.
El movimiento estaba muy influido por los nuevos descubrimientos ópticos, ligados al cinematógrafo, que revelaron la multiplicación de las imágenes y de las cosas móviles en la retina.

¿Qué?
El futurismo es una batalla por la renovación de las costumbres. No se combate solo el museo y el cementerio, la arqueología y el comercio de antigüedades, sino también el moralismo, la inmovilidad, la matemática falaz, la pedantería, la autoridad de los antepasados y el feminismo.
El arte desde esta perspectiva adquiere un nuevo significado, que rechaza los esquemas conocidos y atrae  a la violencia y la crueldad, a la agresión y a la injusticia, imponiéndose con ardor y entusiasmo.
Rechazaba la estética tradicional e intentó ensalzar la vida contemporánea, basándose en sus dos temas dominantes: la máquina y el movimiento. Se recurría, de este modo, a cualquier medio expresivo capaz de crear un verdadero arte de acción, con el propósito de rejuvenecer y construir de nuevo la faz del mundo.
Sus ideas revolucionarias no deseaban limitarse al arte, sino que, como otros muchos movimientos, pretendían transformar la vida entera del hombre. La estética futurista difunde también una ética de raíz machista y provocadora, amante del deporte y de la guerra, de la violencia y del peligro. Los pintores extraen sus temas de la cultura urbana, máquinas, deportes, guerra, vehículos en movimiento, etc., eliminando progresivamente todo populismo o simbolismo.

¿Cómo?
El Futurismo fue una vanguardia que buscaba reflejar el movimiento, el dinamismo, la velocidad, la fuerza interna de las cosas, la exaltación de la guerra, las máquinas, lo nacional y lo sensual y todo lo que fuese moderno. Este movimiento rompía con lo tradicional, el pasado y el academicismo.
Para lograr el efecto de movimiento se basaron en diferentes técnicas: vibrantes composiciones de color, el divisionismo, la abstracción y desmaterialización de los objetos y finalmente la multiplicación de las posiciones de un mismo elemento, realización de las líneas de fuerza, intensificación de la acción a través de la repetición y la yuxtaposición de frente y dorso de la figura.
Algunas particularidades de este movimiento son: exaltación de la originalidad; estructuras del movimiento (tiempo, velocidad, energía, fuerza, etc); temáticas relacionadas con el mundo moderno: las ciudades y los automóviles, su bullicio y dinamismo, máquinas, deportes, guerras, etc; utilización de formas y colores para generar ritmo; colores resplandecientes; transparencias; multiplicación de líneas y detalles, semejante a la sucesión de imagenes de un caleidoscopio o una película (impresión de dinamismo).

¿Quién?
Umberto Boccioni (1882-1916) fue un pintor y escultor italiano, teórico y principal exponente del movimiento futurista.
Tras su llegada a Milán y su encuentro con los divisionistas y con Filippo Tommaso Marinetti, escribió, junto con Carlo Carrà, Luigi Russolo, Giacomo Balla y Gino Severini, el Manifiesto de los pintores futuristas , al cual siguió el Manifiesto técnico del movimiento futurista. Según dichos manifiestos, el artista moderno debía liberarse de los modelos y las tradiciones figurativas del pasado, para centrarse únicamente en el mundo contemporáneo, dinámico y en continua evolución. Como temas artísticos proponían la ciudad, los automóviles y la caótica realidad cotidiana.
Una de las obras más relevantes del artista es "Dinamismo de un jugador de fútbol" la cual fue pintada en 1913. Como todas las obras del futurismo, esta pintura pretende mostrar el movimiento superponiento los distintos estados que atraviesa un objeto. El artista dispone libremente de los medios plásticos de color y de la forma y los dota de una autonomía ilimitada
Tanto en los detalles como en la composición global Boccioni utiliza relaciones de tensión originadas por contrastes cromáticos, como rojo frente azul, o formales como superficie  frente a volumen, alcanzando de esta manera un estado dinámico puro. Con su Dinamismo de un jugador de fútbol crea una cifra visual para el modelo del movimiento universal que reclama constantemente en el plano de la teoría.


Bibliografía:

Cubismo

¿Cuándo?
Este movimiento nació entre 1907 y 1914 en Francia. El término cubismo fue acuñado por el crítico francés Louis Vauxcelle quien, en el caso de Braque y sus pinturas de "L'Estaque" este dijo, despreciativamente, que era una pintura compuesta por "pequeños cubos". Se originó así el concepto de cubismo.
Este se ve rodeado de un contexto histórico donde las potencias europeas comienzan su expansión colonial en África y Asia. Esta proyección hacia otros continentes obedece a factores económicos, políticos, estratégicos y morales.Además, en esos tiempos la situación mundial era muy tensa, ya había presagios de guerra, aunque Europa occidental navegaba aun tiempos de abundancia y progreso, las artes estaban en una búsqueda de algo nuevo. Así es como varios pintores comenzaron a descubrir nuevas formas de expresión, una de ellas fue el cubismo, que tuvo a su máximo exponente a Pablo Picasso

¿Qué?
El cubismo es un movimiento tomado como pie esencial al resto de las vanguardias europeas del siglo XX. No se trata de un ismo más, sino de la ruptura definitiva con la pintura tradicional.  Este movimiento viene a representar, frente a otros movimientos de la época, el equilibrio y el orden con un lenguaje propio e innovador. Los cubistas se preocupan preferentemente de la  forma, de la líneas que para ellos es mucho más importante que el color. El cubismo presenta los objetos tal y como son concebidos por la mente y como existen, no como son vistos.  Existen tres etapas en el cubismo: el cubismo primitivo (1907-1909): representado por "las señoritas de avignon"(Pablo Picasso); cubismo analítico (1910-1912) en el cual se presenta una descomposición de objetos simples en colores ocre, verde oscuro y gris; y el cubismo sintético (1913- 1914) en el cual se emplea signos plásticos que se comparan con metáforas poéticas. Se caracteriza por la ruptura de todo procedimiento imitativo.

¿Cómo?
En las pinturas de este movimiento, desaparece la perspectiva tradicional. Trata las formas de la naturaleza a través de figuras geométricas, a partir de la fragmentación de líneas y superficies. Los artistas incluyen todas las perspectivas posibles (múltiples), es decir, que tartan de plasmar todos los ángulos de un objeto en el mismo plano. No incluye un punto de vista único y desaparece la sensación de profundidad. Los detalles desaparecen.
Las temáticas ,que engloban los pintores, no son nuevas. Entre ellas se pueden encontrar bodegones, paisajes y retratos.
Los tonos de la paleta son apagados como los grises, verdes y marrones. Este monocromatismo predominó en la primera etapa del cubismo, pero luego se abrió más la paleta, en las etapas posteriores.
El cuadro toma autonomía como objeto con independencia de lo que representa. Esto condujo a que, tiempo más tarde, se claven todo tipos de objetos sobre la tela, desarrollando la técnica del collage.
El resultado de estas obras, son de difícil comprensión. y ello explica que fuera el primero de los movimientos artísticos que necesitó una exégesis por parte de la "crítica", llegando a considerarse el discurso escrito tan importante como la misma práctica artística. De ahí en adelante, todos los movimientos artísticos de vanguardia vinieron acompañados de textos críticos que los explicaban.

¿Quién?
Pablo Picasso , fue un pintor y escultor español, creador, junto con Georges Braque y Juan Gris, del movimiento cubista. Considerado uno de los mayores artistas del siglo XX, participó desde la génesis en muchos movimientos artísticos que se propagaron por el mundo y ejercieron una gran influencia en otros grandes artistas de su tiempo. Teniendo Las señoritas de Aviñón como punto de partida, Braque y Picasso acabaron formulando el cubismo en 1908. El cubismo fue un punto de inflexión radical en la historia del arte que inspiró al resto de vanguardias artísticas el abandono del ilusionismo pictórico, rechazando la descripción naturalista en beneficio de composiciones de formas abstraídas de la percepción convencional, jugando con la tridimensionalidad y la estructura de las superficies.
Una de las obras más representativas de este movimiento es "Las señoritas de avignon" pintado por Picasso en 1907.  Imprime un nuevo punto de partida donde Picasso elimina todo lo sublime de la tradición rompiendo con el Realismo, los cánones de profundidad espacial y el ideal existente hasta entonces del cuerpo femenino, reducida toda la obra a un conjunto de planos angulares sin fondo ni perspectiva espacial, en el que las formas están marcadas por líneas claro-oscuras.
Dos de los rostros, los de aspecto más cubista de los cinco, que asemejan máscaras, se deben a la influencia del arte africano.
Esta obra fue muy criticada e incomprendida incluso entre los artistas, coleccionistas y críticos de arte más vanguardistas de la época, que no comprendieron el nuevo rumbo tomado por Picasso, quien, junto con Georges Braque, crearía y continuaría la nueva corriente cubista hasta el inicio de la Primera Guerra Mundial.


Bibliografía:

martes, 23 de abril de 2013

Fauvismo

¿Cuándo?
Este movimiento tiene origen francés y surgió entre los años 1904 y 1908. Su nombre procede del calificativo fauve (fiera) dado por el crítico de arte Louis Vauxcelles al conjunto de obras presentadas en el Salón de Otoño de París de 1905. Los autores de las obras no dieron importancia peyorativa al nombre de de la corriente sino al contrario lo adoptaron como distintivo de sus obras. Su nacimiento se da a partir de la creación de "Lujo, calma y voluptuosidad", que era una obra realizada por Henri Matisse (considerado el padre de fauvismo) en la cual se pudieron ver indicios de las características que, luego, representarían a esta corriente.

¿Qué?
Este movimiento comparte su concepción con el expresionismo. Este, a partir de las innovaciones en el campo de la fotografía, provoca en los pintores la investigación de nuevas frontera y comienzan el camino hacia la subjetividad. En ellos se puede observar la exageración de la experiencia, la cual les permite hacer más fácilmente comprensible y comunicativa a la pintura. Esta corriente tiene como objetivo provocar un efecto en los espectadores y, a su vez, poder expresar sus más íntimos pensamientos y sentimientos. Sin embargo, los fauvistas no se preocupan del sentido metafísico y de los problemas sociales. El fauvismo goza más con la investigación plástica: la pasión por el color será su manifestación más ostensible de este goce.
Esta despreocupación por el sentido metafísico, los lleva a crear una estética violenta pero armoniosa, lejana de todo pesimismo: rebeldes ante la concepción clásica del realismo idealista, proponían la comunión de los espectadores con las visiones subjetivas que nacían de la sensibilidad del artista en contacto con la naturaleza.

¿Cómo?
Este no es un movimiento teórico sino que tienden a demostrar lo que les dictaba la sensibilidad del artista.  El fauvismo es el producto de la libertad artística y la ausencia de limitaciones. Liberados de los prejuicios de la anatomía, de la perspectiva convencional, de la proporción, los pintores construyeron su propia técnica.
Algunas de las características que representan este movimiento son:

  •  El fundamento de este es la liberación del color respecto al dibujo exaltando los contrastes cromáticos. Los artistas trabajan con la teoría del color interpretando qué colores son primarios, cuáles secundarios y cuáles complementarios. Mediante esto consiguieron una complementariedad entre colores,produciendo un mayor contraste visual y mayor fuerza cromática.
  • En esta búsqueda tan dirigida hacia el color se olvidan otros aspectos como el modelado, el claroscuro o la perspectiva. La técnica pictórica fovista emplea toques rápidos y vigorosos, trazos toscos y discontinuos, aunque se cree distorsión en las figuras: se persigue dar una sensación de espontaneidad.
  • Presenta la intención de expresar sentimiento, percibiendo  así, la naturaleza y lo que les rodea en función de sus sentimientos.
  • Se destacaba la función decorativa y se empleaban las líneas onduladas.
  • Los artistas presentaban una actitud de rebeldía, un intento de transgredir las normas. De está manera, manifestaban su búsqueda por algo nuevo para avanzar en el ámbito de la pintura.
  • Las temáticas que engloban son, en su mayoría, paisajísticas, continuando con la tradición de la pintura al aire libre en contacto directo con el medio ambiente y la naturaleza. Sin embargo, otros artistas prefirieron pintar el mundo rural y otros el ámbito urbano, desnudos e interiores, otros mostraban la importancia de sentir la alegría de vivir.

¿Quién?
Henry Matisse (1869-1954) fue un pintor francés conocido por su uso del color y por su uso original y fluido del dibujo. Como dibujante, grabador, escultor, pero principalmente como pintor, Matisse es reconocido ampliamente como uno de los grandes artistas del siglo XX, y considerado el padre de este movimiento. Gracias a su obra "Lujo, calma y voluptuosidad" se le otorgó el nombre a este movimiento.
Una de las obras más representativas de esta corriente es "Retrato de la raya verde", la cual fue realizada a finales de 1905. En esta obra vemos que el dibujo es esquemático y geométrico, y los colores fuertes y contrastados, además de bastante arbitrarios, como en el fondo de la composición, donde podemos ver cuatro zonas de color distintas y poco realistas. Apenas existe protagonismo de la luz y el fondo es plano, con total ausencia de la perspectiva.. En este se puede ver la contraposición entre el negro de su pelo y el rojo de la estancia y su ropa. Además, se ven dos aspectos muy marcados: la figura en representación de los sentimientos y la  mujer como el centro del universo.
Retrato de la raya verde

Bibliografía:



sábado, 13 de abril de 2013

Expresionismo

¿Cuándo?
Es un movimiento que surge en Alemania, el cual estaba en una etapa de reconstrucción de su estado, a principios del siglo XX, en concordancia con el fauvismo francés. Este está marcado por las consecuencias acarriadas por la Primera Guerra Mundial.
Recibió su nombre en 1911 con ocasión de la exposición de la Secesión berlinesa, en la que se expusieron los cuadros fauvistas de Matisse y sus compañeros franceses, además de algunas de las obras precubistas de Pablo Picasso. Nace con el objetivo de los pintores de plasmar su deseo de transmitir a los espectadores sus sentimientos más que la representación de la realidad objetiva.  La cara oculta de la modernización, la alineación, el aislamiento, la masificación, se hizo patente en las grandes ciudades y los artistas, creyeron que debían captar los sentimientos más íntimos del ser humano. La angustia existencial es el principal motor de su estética.

¿Qué?
La pintura expresionista buscaba transmitir el mundo interior del artista, sus pasiones y angustia existencial para despertar las emociones del espectador sin preocuparse de la realidad exterior, sino de la realidad interna y de las impresiones que produce en el observador.  Las formas dejan de ser bellas y se distorsionan en beneficio de la expresión. En sus obras, los expresionistas tergiversan por completo el mundo real, viéndolo tan sólo como pretexto para plasmar sus sentimientos desequilibrados y darles forma objetiva. De ahí su inclinación a lo extraordinariamente grotesco, a mezclar los planos de la representación, a desfigurar los objetos, etc.

¿Cómo?
Este movimiento esta caracterizado por el color, el dinamismo y el sentimiento. Lo fundamental para los pintores de principios de siglo no era reflejar el mundo de manera realista y fiel sino, sobre todo, romper las formas. Se caracteriza por la violencia y arbitrariedad de los colores empleados, estridentes y puros, aplicados en largas y gruesas pinceladas. No busca la belleza de las obras y se centran en la distorsión de las formas. Las composiciones son dramáticas y agresivas. Se pintan máscaras y paisajes donde los protagonistas son el agua, el cielo, las masas de vegetación o la simple intención de mostrar el ritmo de los sentimientos.
Se caracterizaban por el fuerte componente gráfico, el uso de una línea angulosa y atormentada, con la que los motivos se deformaban hasta alcanzar efectos caricaturescos y el gusto a los colores duro, a los que se daba un significado emotivo. Destacan en sus pinturas los colores azul, amarillo y verde para contrastar con la simplicidad del blanco y el negro. Son frecuentes los rostros desfigurados y tristes.
En sí, el pintor expresionista, distorsiona deliberadamente la forma de los objetos que pinta a fin de resaltar la emoción que trata de expresar en su obra e intensifica el color para resalt

¿Quién?
Edvard Munch (1863-1944) fue un pintor y grabador noruego de la corriente expresionista. Los temas más frecuentes en su obra fueron los relacionados con los sentimientos y las tragedias humanas, como la soledad, la angustia, la muerte y el erotismo. Se le considera precursor del expresionismo, por la fuerte expresividad de los rostros y las actitudes de sus figuras, además del mejor pintor noruego de todos los tiempos.
Uno de sus cuadros más conocidos y considerado muy representativo de este movimiento es El grito la cual fue realizada en 1893. Todas las versiones del cuadro muestran una figura andrógina en primer plano, que simboliza a un hombre moderno en un momento de profunda angustia y desesperación existencial. El paisaje del fondo es Oslo visto desde la colina de Ekeberg.
La obra no fue bien vista por el público al momento de su exposición, pero luego, a finales del siglo XX, adquirió estatus de icono cultural que comenzó en el período post- segunda guerra mundial.


Bibliografía:



Neoimpresionismo

¿Cuándo?
Este movimiento surgió a finales del siglo XIX en Francia, en contraposición a los modelos desarrollados en Europa desde las etapas de renacentismo. Estos engloban el conjunto de tendencias pictóricas que profundizan en algunos rasgos de los pintores impresionistas como son los Divisionistas y los puntillistas. Ambas técnicas se dieron gracias a la teoría de Eugenio Chevreul, realizada a finales del siglo XIX y comienzos del siglo XX, la cual pretendía instaurar un nuevo tratamiento del color y la luz.
La palabra neoimpresionismo se empleó por primera vez en 1887, cuando Félix Féneon, un conocido critico francés, utilizó este término para describir las obras de artistas como Georges Seurat y Paul Signac los cuales le dieron importancia a parámetros más concretos de la realidad: la descomposición del color, del movimiento o del espacio.


¿Qué?
El neomimpresionismo es un movimiento que nace en contraposición del impresionismo por el hecho de que los artistas comienzan a desarrollar preocupación por el volumen y por la ordenación meditada del cuadro.
En él se engloban múltiples tendencias y estilos. Viene a ser un crisol de diferentes técnicas y objetivos que se respondes a las inquietudes de los diferentes artistas.  A estos ni hay que entenderlos bajo un estilo unificado y definido, sino que la obra de cada uno de ellos responde a la individualidad de sus planteamientos.
El fundamento de este estilo se va a encontrar en la pincelada, la cual siempre se ve encontrada con el principio de la decisión de tonos; lo que produce que los cuadros parezcan "mosaicos". Este movimiento continúa con temas como el ocio al aire libre, la vida moderna, el circo, el ballet, la ópera, los espectáculos  y son los que predominan. Son obras muy rígidas, pues buscan más la estabilidad y la composición. Pinturas más construidas que las impresionistas, con un laborioso trabajo de composición, las cuales huyen de la espontaneidad.

¿Cómo?
Este movimiento se caracteriza por englobar dos estilos: el puntillismo, donde la yuxtaposición de la pincelada es sustituida por puntos y descomponer totalmente la imagen; y el divisionismo, donde la las largas pinceladas se dividen y pasan a ser cortas y en gran cantidad. Ambos llevan a cabo un minucioso estudio del color, donde los tonos se dividen o descomponen en colores básicos puro para que el ojo los restituya en la visión lejana normal. Es por ello que se dice que esta pintura es intelectual y es la primera vez que la ciencia se combina con la pintura.
Otras características de este movimiento fueron: el dibujo y el trazo tomaron nuevamente importancia; se observa una marcada tendencia a la esquematización de las formas y los volúmenes simplificados; en una misma composición se toman en cuenta distintos puntos de vista, lo que produce que las obras sean asimétricas y desdentradas; los artistas tienen afinidad por los detalles, situaciones insólitas y las siluetas; las obras comienzan al aire libre, pero finalizan en el taller; existe la sensación de que la luz emana de los cuerpos; existen mayores conexiones con el simbolismo; tomó gran relevancia el volumen en las formas y las formas concebidas dentro de una geometría de masas puras, bien definidas (pero sin perfiles).

¿Quién?
Georges Pierre Seurat (1859-1891), fue el precursor del puntillismo. Siempre le interesó de gran manera el color, lo que lo llevó a estudiar los tratados de luz y color. Seurat afirma que toda práctica debería estar regida por la observación. Para él era necesaria la utilización de colores puros y complementarios ya que al observar una obra puntillista la retina procede a fundir los puntos de color. El fundamento del color viene dado por la división del tono en sus componentes integrantes.
Uno de sus cuadros más conocidos es Tarde de domingo en la isla de la grande Jatte, la cual es considerada una de las obras mas relevantes del siglo XIX. Esta fue pintada en 1884. Seurat basado en el estudio de la teoría óptica del color, contrastó puntos minúsculos de color que, a través de la unificación óptica, forman una figura coherente en el ojo del observador. Creía que esta forma de pintura, conocida luego como puntillismo, haría los colores más brillantes y fuertes que pintados a pinceladas.
En este cuadro se muestra una atmósfera de dignidad monumental a través de un orden equilibrado de sus elementos y los contornos de sus figuras.
File:Georges Seurat 031.jpg

Bibliografía:

miércoles, 10 de abril de 2013

Postimpresionismo

File:Vincent Willem van Gogh 128.jpg

Los girasoles de Vincent Van Gogh. Es una serie de cuadros que comenzó a pintarse en 1888 y se pueden considerar representativos del movimiento por las técnicas utilizadas por el artista.

Impresionismo


File:Claude Monet, Impression, soleil levant, 1872.jpg

Impression, soleil levant ( Impresión, sol naciente) de Claude Monet, realizado en 1882. Esta obra fue la que le dio nombre a esta movimiento.

domingo, 31 de marzo de 2013

Realismo

¿Cuándo?
El realismo es un movimiento que nació en Francia luego de la revolución francesa de 1848 (mediados siglo XIX) y el cual se extendió hasta 1870.
Los cambios sociales derivados de la revolución industrial, así como de las revoluciones políticas que se desenvuelven dentro del período, influyen en los artistas que se cuestionan su papel dentro de este proceso; y es así, como los pintores comienzan a tratar de despertar la conciencia social sobre los terribles problemas de la industrialización:  trabajo infantil y femenino, jornadas laborales interminables, depauperación, condiciones insalubres de las ciudades industriales, desarraigo de la emigración rural, etc.
También, este movimiento queda marcado por las revoluciones burguesas. En los años anteriores, una rica burguesía controlaba la política y también el gusto por el arte. Es por ello que, dentro de esta etapa, los artistas dan a conocer sus obrar y a ellos mismos con el fin de hacerle frente a estos grupos y claman por una mayor libertad tanto política como artística.

¿Qué?
El realismo surge como oposición de idealismos clásicos y románticos. El objetivo de este es la representación de la realidad de manera verosímil y objetiva como forma de denuncia acerca de las problemáticas sociales de la época, es decir, que este movimiento rechaza el sentimentalismo, la temática histórica y orientalizante y se centra en escenas de la vida cotidiana sobretodo el trabajo, los obreros, niños y mujeres, entre otros. Esto condiciona a los artistas  los cuales dejan de buscar la belleza para encontrar la verdad, ya que la única belleza válida es la que suministra la realidad, y lo que deben hacer  ellos es reproducirla sin embellecerla por más imperfecta y peculiar que esta pueda llegar a ser.

¿Cómo?
A lo que respecta hacia las técnicas utilizadas, el realismo no tuvo grandes innovaciones sino que revalorizó los secretos de los grandes maestros naturalistas del Barroco, sobretodo españoles. La manera en que estos le daban gran importancia al uso de las luces y las sombras vuelve a tener consideración, al igual que la pincelada firme y contornos precisos. También, algo que se destaca en este movimiento es la gran importancia que se le da a la perspectiva y al uso del claro-oscuro. La elección de los tonos en la paleta del artista pasan a tomar relevancia ya que de ella dependerá el volumen y los relieves en la obra.
Los cuadros son confeccionados con lujos de detalles tanto en la representación de las personas, como también su paisaje.
 Los pintores salen de los estudios para hacer de la naturaleza su nuevo lugar de trabajo. La luz solar pasa a ser un factor fundamental, donde los artistas debían pintar de manera rápida, pero sin perder de vista los detalles del ambiente.
Este movimiento se caracteriza,  por sobretodo, en la elección de sus temas. Los pintores, al querer utilizar sus obras como una manera de denuncia, elegían temas trascendentes, pero de la vida cotidiana. Las jornadas largas, el trabajo infantil y de las mujeres, las condiciones insalubres, el maltrato entre los obreros y los jefes, entre otros constituyeron la temática central del movimiento realista, pero siempre innovando de alguna manera.

¿Quién?
Gustave Courbet (1819-1877) fue un pintor francés, fundador y máximo representante del realismo, y comprometido activista democrático, republicano, cercano al socialismo revolucionario.
Se caracterizaba por la representación del mundo rural de una forma contemporánea. Su lema era "el arte y la vida deben ir unidas", es por ello por lo cual su arte se caracterizaba por la crítica social y la denuncia de desigualdades sociales. Él estaba comprometido a introducir la realidad y la miseria de los estratos sociales más bajos, sin idealizarlos, en los salones de París.
Entierro en Ornans es uno de los cuadros más conocidos del pintor francés. Está realizado al óleo sobre tela y fue pintado en 1849.
 Esta pintura marcó el nacimiento del verdadero realismo y provocó grandes críticas ya que denominaban al entierro de un muerto como un "tema vulgar".El tema se podía haber tratado solemnemente, pero lo hace de forma peculiar, es un cuadro desolador. Se trata de un entierro en un pueblo al que asisten los aldeanos y el clero y apenas hay diferencias entre ellos, en un intento de hacer crítica. Al contrario que en los cuadros que representan entierros y en los que está presente lo religioso invocando el más allá, aquí todo es deprimente, no se espera ni se cree nada.


Bibliografía:
  • http://www.monografias.com/trabajos82/realismo-pictorico/realismo-pictorico2.shtml
  • http://www.monografias.com/trabajos82/realismo-pictorico/realismo-pictorico.shtml
  • http://es.slideshare.net/rosarmer/el-siglo-xix-la-pintura-realista
  • http://es.wikipedia.org/wiki/Pintura_del_Realismo
  • http://tom-historiadelarte.blogspot.com.ar/2007/05/la-pintura-realista-en-el-siglo-xix.html
  • http://www.wikillerato.org/La_pintura_realista.html
  • http://es.wikipedia.org/wiki/Gustave_Courbet#Obras

miércoles, 20 de marzo de 2013

Romanticismo

¿Cuando?
El romanticismo fue un movimiento artístico que comenzó a manifestarse a comienzos del siglo XIX. Sin embargo, su momento de mayor impacto fue entre 1820 y 1850 aproximadamente.
Este nació a partir de las consecuencias de su contexto histórico: la revolución francesa, las guerras napoleónicas que azotan Europa y la crisis de los sistemas del Antiguo Régimen provocan la pérdida de la fe en la razón; concibiendo, como reacción, una nueva sensibilidad.

¿Qué?
El romanticismo sucede al movimiento del neoclasicismo de finales de siglo XVIII. Este adopta un nuevo  gusto, huyendo del realismo y la belleza pura exterior para buscar el movimiento interior. Defiende la superioridad del sentimiento sobre la razón y, por ello, se caracteriza por conceder un valor primordial al sentimiento, la exaltación de las pasiones, la intuición, la libertad imaginativa y al individuo.
Los temas que caracterizaba este movimiento eran variados: se enfocaban en memorias gloriosas y misteriosas acerca del pasado; el mundo "desconocido" del Medio Oriente y la nueva América; la naturaleza y el paisaje son destacados y el pintor se enfrenta a la realidad de estos, los cuales lo obligan a salir al exterior; también se ve inmortalizado en algunas obras el individualismo y la libertad; la figura de la mujer toma preponderancia en estas pinturas las cuales buscan retratar no solo la belleza  del cuerpo sino también el espíritu interior de estas.

¿Cómo?
  • La pincelada deja de ser sutil y pasa a ser visible, impetuosa. También se destaca el uso de lineas curvas y gestos dramáticos.
  • Predominan los fuertes contrastes entre luz y sombra dándole cierto carácter teatral.
  • El color toma importancia y prevalece sobre el dibujo. Se liberan las formas y los límites excesivamente definidos.
  • Las texturas rugosas acompañadas por figuras simples se ven impresas en los cuadros. La pintura adquirió una naturaleza táctil que reforzaba su creación impulsiva y espontánea.
  • El óleo sobre lienzo, las acuarelas y los grabados fueron las técnicas que más se utilizaron en estas pinturas.
¿Quién?
Théodore Géricault (1791-1824) fue un pintor francés. Prototipo de artista romántico, el cual admiraba a los pintores del renacentismo como Miguel Ángel, y también la pintura flamenca.
Desde sus inicios, Géricault demostró cualidades que lo diferenciaban de los pintores neoclásicos: prefirió retratar temas de la vida cotidiana, elevándolos a la categoría de hechos heroicos. Este se destacó por demostrar el sufrimiento y la desesperación de la gente, pasando a ser el pintor romántico mas representativo.
Una obra destacada de este pintor, la cual representa este movimiento es "La balsa de la medusa". Esta es una pintura al óleo que se convirtió en icono del romanticismo. La pintura representa el naufragio de la fragata francesa méduse la cual encalló y se vio a la deriva en el mar. Fueron nada mas 15 sobrevivientes de 146 personas que debieron afrontar el hambre, la deshidratación, el canibalismo y la locura. El incidente fue muy conocido a nivel nacional. Géricault al seleccionar este hecho y retratarlo creó un gran interés público y  generó polémica al romper con  la pintura histórica no solo por el hecho en si, sino también por el dramatismo con el que se lo representa.
File:JEAN LOUIS THÉODORE GÉRICAULT - La Balsa de la Medusa (Museo del Louvre, 1818-19).jpg

Bibliografía:

  • http://es.wikipedia.org/wiki/Pintura_rom%C3%A1ntica#Naturaleza
  • http://www.quepintura.com/la-pintura-en-el-romanticismo/
  • http://tom-historiadelarte.blogspot.com.ar/2007/05/la-pintura-del-siglo-xix-el.html
  • http://es.wikipedia.org/wiki/Th%C3%A9odore_G%C3%A9ricault
  • http://es.wikipedia.org/wiki/La_Balsa_de_la_Medusa